Художественной обработке дерева и бересты принадлежит исключительное место в истории Русского крестьянского творчества. Оно тесно связано со всем искусством Древней Руси: с деревянной резной архитектурой, плотничьим и ручным делом. Материал и техника обработки неотделимы от характера изготовляемых предметов. Они диктуют как их родовую принадлежность, функциональное назначение, так и особенности формы. Плавно изгибающийся растительный побег с крутыми завитками - один из наиболее распространенных мотивов в современном искусстве прорезной бересты. Иногда узор свободно стелется по плоскости, развиваясь в нескольких направлениях, иногда дается в виде ритмически повторяющихся веток-спиралей либо симметрично отходящих от центра вправо и влево стеблей с множеством листочков и ответвлений, увенчанных изящными по форме трилистниками, розетками, яблочками, стилизованными цветами к ягодами. Мастера пользуются и другими приемами, помещая, например, среди пышного растительного узора орнаментально трактованное изображение птиц, выполняющее функцию оберега.

Знаменитая лаковая миниатюра Мстеры ведет свое начало от школы иконописи XVII века. Более 200 лет здесь с помощью уникальной техники росписи создавались шедевры, известные далеко за пределами края, - шкатулки, пудреницы, игольницы, ларцы. Сотворить изделие лаковой миниатюры не просто. Нужно великое мастерство художника. Мстерская земля удивляет своими умельцами Мстерская вышивка, известная с XVII века, получила широкое развитие в современном декоративно-прикладном искусстве. Одна из самых красивых и нарядных вышивок - белая гладь с изящными мелкими узорами растительного орнамента на тонких хлопчатобумажных тканях. Белая гладь - вышивка белыми нитками по белому полю - славится своими ажурными сетками, разделками, высоким качеством, не имеет лица и изнанки, одинаково красиво смотрится с обеих сторон. Мастерицы искусно создают самые сложные орнаменты, воспроизводят архитектурные формы и изображения человеческих фигур. Считается, что этой сложнейшей техникой (включающей до 200 различных разделок) владеют в совершенстве только вышивальщицы Мстеры.

Народные умельцы Русского Севера издревле славились искусством обработки дерева, с XVIII века – архангельскими изделиями золотого шитья, узорного ручного ткачества, ручного вязания, а с XIX века – замечательной глиняной игрушкой, получившей название «Каргопольская игрушка». Народные мастера художественной резьбы по дереву выполняют традиционные ковши – утицы, ларцы, солонки, кандейки, кухонные доски, украшенные мотивами народного орнамента Русского Севера. Мастера вышивки украшают изделия бисером, ручным кружевом, ручной вышивкой, аппликациями, мережкой. Традиции глиняной лепной Каргопольской игрушки воплощаются в многофигурных композициях «Посиделки», «Повозки». «Дровосеки», «Тройка», птиц, животных, расписных свистульках, отражающих древнюю культуру Каргополья.

На живописном холме на берегу реки Куньи, левого притока Дубны стоит село Богородское - родина замечательного народного промысла резных деревянных игрушек и скульптур. Богородское - село старинное. В середине XV века село принадлежало московскому боярину М.Б.Плещееву. Уже в XV - XVI веках богородские крестьяне, в то время монастырские крепостные, заложили основы развившегося впоследствии художественного промысла обработки дерева. Село стало одним из центров народного творчества в истории русского прикладного искусства. В Сергиевом Посаде существует предание о том, как в середине XVIII века один житель посада вырезал куклу размером в 9 вершков (40 см) и продал ее купцу Ерофееву, торговавшему у Лавры. Тот поставил ее как украшение в лавке. Игрушка тут же была куплена с большой выгодой для купца. После этого Ерофеев заказал целую партию таких игрушек. Особенно интересны игрушки с движением: на планках, с балансом, с кнопкой. Эти незамысловатые, но всегда остроумные по конструкции приспособления делают игрушку живой, выразительной и особо привлекательной.

Вятский сувенир ведёт свою историю с июля 1930 года, когда в г. Нолинске Вятской губернии была создана артель под названием «Свобода». Основной продукцией артели были различные изделия из дерева, необходимые в хозяйстве, детские игрушки на токарной основе. Традиционный ассортимент расширялся. Выпускались токарные изделия «Бочонок-копилка», набор хозяйке», свисток «Соловей». Квалификация токарей по дереву позволила создавать самые сложные токарные изделия - оригинальные деревянные матрёшки. Главный секрет притягательности деревянной матрёшки в том, что её внешний образ русской многодетной полной женщины-матери дополняется внутренним строением, в её повторениях-вкладышах, входящих друг в друга.

Городецкая роспись - уникальное явление русской национальной культуры, один из самых знаменитых художественных промыслов России, ярчайшее явление «наивного» искусства. Это народное искусство соединило в себе черты художественного своеобразия народной живописи, корни которой уходят в глубину веков. История неповторимой сюжетной росписи насчитывает уже более полутора веков. В своих композициях крестьянские художники открывали уникальный образный мир. Среди самых распространенных сюжетов росписи – гулянья, чаепития, знаменитый городецкий конь с всадником, народные праздники. Северные мотивы ярко воплотились в расписных сувенирных самоварах, шкатулках, сундуках и лубяных коробах, расписанных мотивами Мезенской, Пинежской, Северодвинской, Шенкурской росписи, подарочных шахматах и кухонной утвари, традиционные технологии и приемы изготовления которых бережно хранятся и передаются мастерами предприятия. Древний народный промысел изготовления деревянной игрушки с росписью в виде яркой нарядной красавицы с розовыми щечками и алыми розами на фартучке зародился на талантливой Нижегородской земле в начале XX века. Торговый дом семеновская роспись - одна из старейших фабрик России по производству детской игрушки, сувениров, традиционной русской матрешки.

Истоки Унцукульского промысла насечки металлом по дереву уходят в далекое прошлое - XVII-XVIII века. Первое художественное изделие, которое было характерно для мастеров того времени, - ручка кнута, сделанная из кизила, украшенная художественной насечкой. Позднее мастера стали украшать орнаментальной насечкой металлом декоративные трости, начали появляться художественные трубки, табакерки. В основе унцукульского орнаментального рисунка четко фиксированная, стойкая композиционная структура, получившая название "ишан" (узор, знак). Первичным материалом сегодня, как и ранее, служит дерево из кизила и абрикоса. Из древесины кустов кизиловых деревьев, отличающихся хорошей плотностью, твердостью, вязкостью, делают трости, рожки для обуви Абрикос идет на изготовление ваз, кувшинов и т.д.

На протяжении нескольких столетий хохломской промысел является важной частью народной культуры России. Золочение при помощи оловянного порошка применялось в иконописи. Деревянное изделие, покрытое тонким слоем металла и олифы, подвергали прогреванию в печи, от чего оно приобретало золотистый оттенок. Этот способ был воспринят заволжскими ремесленниками и усовершенствован. С XVII века на всю Россию славилась расписная деревянная посуда: «парадная» изготавливалась по особым заказам небольшими партиями. Посудой, сделанной из разных пород дерева, разных форм и художественной отделки, принято было одаривать именитых гостей и иностранных послов. Способ хохломской технологии в своих истоках связан с иконописью. Именно оттуда промысел унаследовал прием росписи по хохломскому золоту. С течением времени техника иконописи по хохломскому золоту была утрачена, и только через три столетия, в конце нашего века возродилось это искусство. У мастеров хохломского письма сложились три основных вида росписи: травка, роспись «под фон» и Кудрина. Теплота, самобытность, поэзия и сказочная красота традиционного узора делают хохломские изделия удивительно прекрасными. Каждое изделие пишется от начала до конца одной художницей без применения каких-либо шаблонов, то есть каждое изделие, по сути, является авторским, индивидуальным. Хохломская роспись стала сегодня необычайно тонкой, виртуозной, эмоциональной. В поисках выразительных форм изделий их создатели придерживаются лучших традиций русской деревянной посуды и мебели. Искусство палехской миниатюры сравнительно молодо. Оно получило свое рождение во времена советской эпохи. После окончания гражданской войны, палехские мастера придумали новый вид применения своего искусства. Буквально в течение пяти-шести лет родилось новое искусство великого Палеха - лаковая миниатюра на всевозможных предметах, используемых в быту: шкатулках, портсигарах, брошках, блокнотах, пудреницах и других необходимых мелочей, изготовленных из папье-маше. Новому искусству была присуща и новая тематика - добавились сюжеты из деревенской жизни, сюжеты из русских народных сказок, сюжеты, взятые из творчества русских писателей и поэтов. Стремление иконописцев Палеха воспевать красоту родной природы, передавать новым поколениям свой богатейший опыт и секреты живописи, хранимые веками, привело к созданию особого художественного языка. Среди сюжетов палехской росписи наряду с хороводами, тройками коней, музыкантами и сценами охоты, встречаются герои басен Крылова, сказок Пушкина и великолепные пейзажи живописных мест родного края. Мастера Палеха освоили новые переходы цвета, делая акцент на более тонких отношениях между тонами. С развитием палехского искусства традиционное моделирование золотыми пробелами объема изображаемых фигур, стало решением и для других задач миниатюрной живописи — художники стали использовать золото для наполнения пространства картины светом и теплом. В многоликом и разнообразном русском декоративно-прикладном и народном искусстве лаковой миниатюрной живописи отдается предпочтение за уникальность, красоту, талант художников и их «золотые руки». Лаковая миниатюра рукотворна, очень трудоемка и сложна, как в исполнении, так и в понимании.

Лаковой миниатюре Федоскино – два с лишним века. Это уникальное явление в русском и мировом искусстве. Появившись в России из-за границы, завоевав популярность не в самой малой степени благодаря такой преходящей вещи, как мода на нюханье табака, лаковая миниатюра Федоскино стала самостоятельным феноменом художественной жизни, вобрав в себя опыт народных мастеров, художественные влияния станковой живописи, декоративные изыски ювелирной техники, наивную искренность фольклора, волшебство русской сказки. Этот промысел обрел истинно русскую душу. Давно исчезли фабрики за рубежом, давшие начало русскому лаковому миниатюрному письму, а само оно существует и развивается в наши дни, сохраняя верность старым традициям и открывая новые горизонты творчеству. История промысла начинается в 1795 году, когда купец Петр Иванович Коробов, будучи в немецком городе Брауншвейге, на фабрике Иоганна Штобвассера ознакомился с производившимися там лаковыми изделиями из папье-маше. Это были табакерки с живописными миниатюрами на крышках. Понравились они ему настолько, что он купил такое производство, нанял нескольких брауншвейгских мастеров лакирных дел и привез в Россию. Через пять-шесть лет на фабрике уже работало около полусотни мастеров, а в рисовальной школе обучалось до двадцати учеников. Ассортимент фабрики расширился – теперь это были и разнообразные табакерки, и кошелечки, и спичечницы, и папиросники, и шкатулки, и чайницы с росписью на пяти сторонах, специальные дорожные стаканы (несколько штук один в другом), и письменные приборы, и шахматные столики, и подносы. Такую вещь приятно взять в руки, она удобна и функциональна. Лукутинские изделия носят на себе императорский герб, как свидетельство выдающихся заслуг мастеров лакового дела. Федоскинская лаковая миниатюра исполняется масляными красками в три-четыре слоя - последовательно выполняются замалёвок (общий набросок композиции), пропись или перемалёвок (более детальная проработка), лессировка (моделирование изображения прозрачными красками) и бликовка (завершение произведения светлыми красками, передающими блики на предметах). Оригинальной федоскинской техникой является «письмо по сквозному»: на поверхность перед росписью наносится светоотражающий материал - металлический порошок, сусальное золото или поталь, или делаются вставки из перламутра. Просвечивая сквозь прозрачные слои лессировочных красок, эти подкладки придают изображению глубину, удивительный эффект свечения. Помимо миниатюрной живописи, изделия украшаются «сканью» (орнамент из миниатюрных кусочков фольги нужной формы выкладывается по сырому лаку), «цировкой» (процарапывание рисунка с помощью лекала по лаку, положенному поверх листа металла на поверхность изделия), «шотландкой» (сложная сетка, нанесённая жидкими красками рейсфедером с помощью линейки) и др. В Федоскинской лаковой миниатюре изображения реалистичны, объемны. Бытовые и жанровые сценки, русские сказки, пейзажи, портреты, непосредственный добродушный юмор, сюжеты, навеянные литературными произведениями, старинные «тройки» и «чаепития», фольклорные мотивы – огромное разнообразие тем в федоскинской миниатюре. Лаковая миниатюрная живопись искусство камерное, очень трудно смотреть ее в выставочных залах, где невозможно внимательно рассмотреть детали, только тщательное рассматривание позволяет понять и по достоинству оценить ее.

Холуйская миниатюрная живопись именно такова, но имеет свои характерные отличительные черты. Она реалистична и одновременно декоративна, отчего и понятна. В Холуе, как нигде, изображению человека уделяется главное внимание. Человек гиперболично монументален, будь это образ сурового «Вещего Олега» либо грациозной «Снегурочки», отчаянного «Степана Разина» или могучего «Святогора-богатыря». Эта черта специфически русская и четко прослеживается во всем национальном искусстве. Красота Холуйской миниатюрной живописи тоже своеобразна, неброская, но убедительно добрая, привлекательная, начиная с формы и пропорций самого изделия и заканчивая орнаментальным узором. В конце XIX века на территории современного Чкаловского района сложился особый вид вышивки «по выдергу», то есть по крупной сетке, образованной путем выдергивания продольных и поперечных нитей полотна, известная под названием «гипюр». Прозрачностью и мягкостью эта вышивка напоминает кружево. Главным элементом узора, характерным для «нижегородского гипюра», являются ромбы, «цветками». Существует около 50 видов швов — разделок, которыми заполняются «цветки». Художественная вышивка становится предметом промысла и все женское население сел и деревень от зари до зари сидело за пяльцами, покрывая ажурным узором белое полотно. Городецкая золотная вышивка - это один из самых старинных и уникальных в России видов высокохудожественного народного искусства. Городецкие мастерицы великолепно владели труднейшим ремеслом золотого шитья и тонко чувствовали декоративные возможности металлических нитей разных фактур и круток. Лучшие мастерицы знали более 100 усложненных вариантов вышивки только в технике узорных прикрепов, а также старинный петельный шов («на аксамитное дело»), состоящий из золотых или серебряных упругих петель, густо заполняющих основные мотивы орнамента и многие другие уникальные техники вышивки. О владелице золотного плата знала вся округа, он поднимал престиж невесты. Нередко к городецким мастерицам приезжали со всей округи заказывать такие платки. Городецкие купчихи к тому же очень любили фотографироваться в старинных костюмах.

Кадомская вышивка возникла в эпоху Петра Первого, который приказал боярам и другим знатным людям носить одежду, богато украшенную кружевом. За брюссельское и венецианское кружево русской знати необходимо было платить золотом. И дабы не оскудела государственная казна, царь запретил покупать кружево за границей, а повелел обучить кружевоплетению русских монахинь. В Кадомский монастырь привезли из Венеции нескольких мастериц, которые обучили местных рукодельниц искусству создания дивных узоров. Быстро освоив ювелирную технику вышивки, рукодельницы стали плести сначала чудесное венецианское кружево, а вскоре на его основе создали уникальную игольную вышивку — «вениз», оставив в названии основу от слова «венецианский».

Возникший во времена царствования Петра 1 этот вид народного промысла смог сохраниться и получить в наше время дальнейшее развитие. Тарусская фабрика художественной вышивки была первоначально основана, как артель вышивальщиц, крупным специалистом по народным художественным промыслам Н.Я.Давыдовой при активном участии М.Н.Гумилевской, которая в 1924 году официально зарегистрировала ее как артель. Целью организации артели было укрепление и развитие народного вышивального мастерства, которое имело богатые традиции на калужской земле. Образцы узоров приносились в артель крестьянками Тарусского района, в вышивке использовались традиционные мотивы калужской народной вышивки: геометрические, растительные, зооморфные, антропоморфные. Мастерицы артели уже в первый надомный период работали по образцам калужской народной вышивки, развивая традиционный орнамент и технику (цветную перевить и белую строчку) в другом предметном контексте. Золотное шитье - одно из древних традиционных художественных промыслов России. Существующее с VIII века оно постоянно развивалось, каждая эпоха вносила что-нибудь новое, сохраняя при этом традиции, сложившиеся на протяжении столетий. В композициях золотного шитья используются русские традиционные мотивы: геометрические и растительные орнаменты, фигурки птиц и зверей, архитектурные мотивы. Золотая нить, послушная руке вышивальщицы, - прозрачная нить памяти, традиции, культуры, ведущая вглубь столетий. На Руси золотой вышивкой украшали одежду, обувь, предметы убранства интерьеров культового значения. И сегодня существует потребность в красоте, которая формировала быт наших предков и которую умело воссоздают торжокские мастерицы. Золотошвейные изделия выполняются позолоченными, посеребренными, металлизированными нитями на коже, замше, бархате, шелке, шерсти и другими материалами. Вышивка выполняется бисером, блестками, жемчугом, стеклярусом. Золотное шитье довольно сложный вид вышивки. Он требует большого внимания, терпения, аккуратности, больших затрат времени. Техника золотного шитья существенно отличается от обычного вышивания. Вышивка выполняется на раздвижных деревянных пяльцах. В качестве основы используется хлопчатобумажная или льняная ткань, на которую прикрепляется материал - фон (кожа, замша, бархат и т.д.) Основным швом является "кованый" (гладкий) шов, выполняемый по шаблону узора из картона путем прикрепа позолоченной нити, уложенной ровными рядами по поверхности шаблона и прикрепляемой в определенном порядке точными стежками к материалу хлопчатобумажной нитью. Для создания большего разнообразия фактуры вышивки, мастера-вышивальщицы используют различные виды "кованого" шва. Разнообразие и сочетание традиционных швов - один из принципов творческого варьирования золотошвейных изделий. Художники и мастера-вышивальщицы творчески подходят к созданию золотошвейных изделий. Использование разных видов швов создает неповторимую игру света и тени на поверхности вышивки. Кружевоплетение на Руси известно задолго до ХVП столетия. Стилистические особенности вологодского кружева, судя по сохранившимся образцам мерного кружева сформировались к началу ХVШ века, а в первой половине Х1Х века парное и сцепное кружево вологодских мастеров стало изготавливаться на широкую продажу. В середине Х1Х века, особенно после реформы 1861 года, в Вологодской губернии насчитывалось свыше 40 тысяч кружевниц, которые работали не только в мастерских, но и дома по заказам скупщиков, стремившихся взять в свои руки сбыт крупных изделий. Вологодское кружево становилось известным во всём мире. Спрос на него рос с каждым годом, торговля достигла значительных размеров.

В середине 80-х годов прошлого века, много сил развитию кружевного промысла России отдала С.А.Давыдова, способствовавшая открытию в 1883 г. в Петербурге Мариинской практической школы, одной из задач которой являлась подготовка профессиональных художников кружевоплетения для работы в Вологодской губернии. В числе первых выпускниц этой школы была С.П.Брянцева, которая вместе со своей матерью А.П.Брянцевой ввела новые приемы кружевоплетения, существенно отличающиеся от приемов других центров. В 1919 году был издан первый декрет Советского правительства о кустарной промышленности. С этим годом связано зарождение кооперации кустарей, в том числе и вологодских кружевниц. Елецкое кружево, вид русского кружева, плетёного на коклюшках. Отличается мягким контрастом мелкого изящного узора (растительного и геометрического) и тонкого ажурного фона. Елецкие кружева известны в России с конца XVIII века. Именно тогда здесь, в Ельце, возник один из центров, где россияне начали активно осваивать это пришедшее к нам из Европы искусство. Известно, что в елецкой округе, в радиусе до 25 верст, уже в начале прошлого столетия, далеко непростое, ремесло кружевоплетения освоили сотни человек. Поначалу рисунки для узоров ельчанам доставлялись из-за границы, но со временем здесь появились свои самобытные художники, свой неповторимый стиль, который отличает елецкие кружева и поныне. Рязанское кружево в целом - крупное явление в русском прикладном искусстве. Особенно оригинальный, самобытный характер оно получило в городе Михайлове и Михайловском уезде Рязанской губернии. В XVI столетии с возникновением оборонного рубежа Московского государства, сюда было переселено значительное число служивых людей, о чем свидетельствуют названия старинных городских слобод Стрелецкая, Пушкари, Плотники. Свободные от крепостного угнетения московские переселенцы активно занимались различными ремеслами. Именно в их среде, вероятно в первой половине XIX столетия, возникло кружевоплетение в виде промысла.

В разное время здесь господствовали и разные типы кружевного плетения. Вначале это было тончайшее многопарное кружево «рязанского манера» и "травчатое", а также сцепное. С бытом рядовых горожан Михайлова и его окрестностей связан третий способ плетения - численный. Именно местное численное кружево получило широкую известность под названием «Михайловское». Во второй половине XIX века михайловское кружево становится предметом торговли не только внутри России, но и за границей. Нигде, кроме города, Михайлова и его уезда, численное кружево не получило такого своеобразия рисунков и красочности. Недаром оно получило такое большое распространение в крестьянском костюме разных местностей. Плотное, яркое, оно как нельзя лучше дополняло одежду из тяжелых тканей закладной техники и грубого полотна, сочеталось с яркой узорчатостью ткани и вышивок.

Более 150-ти лет назад в старинном горном селении Гоцатль зародилось искусство обработки металла (серебро, медь, мельхиор). К концу XIX века редкая горянка выходила замуж без гоцатлинского водоносного кувшина с гравированным узором. Гоцатлинский мастер, как и кубачинский, владеет несколькими профессиями: он должен знать плавку, монтировку, чеканку, гравировку, чернение. Но если процессы труда мастеров схожи, то их произведения отличаются своим орнаментом. В отличие от кубачинского гоцатлинский на поверхности изделия занимает не всю площадь, а выполняется в строгой графической форме. В основном изготавливаются кумганы, столовые приборы, винные сервизы, роги для вина, декоративные тарелки, столовые и чайные ложки и разнообразные женские украшения.

Один из древнейших видов художественной обработки металла - скань (от древнерусского — свивать), или, как еще называют эту разновидность ювелирной техники — филигрань (от итальянского filigrana, в свою очередь это слово происходит от латинского filum (нитка) и granum (зерно), поскольку узор иногда выполняется не только из витой проволоки, но из мельчайших металлических шариков). На Руси скань была известна очень давно. Филигранные изделия встречаются еще в раскопках курганов IX века. В России одним из крупнейших центров сканного производства становится село Казаково Нижегородской области. Традиции Ростовской финифти (эмали) имеют ярко выраженную национальную узнаваемость. Особенно важно то, что художники – эмальеры Ростова Великого сохранили классические навыки художественной техники миниатюрного письма по эмали и культуру работы с эмалью, как с драгоценным специфическим материалом ручного художественного ремесла. Искусство живописи на эмали появилось в Ростове во второй половине XVIII века. Сохранились сведения о существовании в этот период финифтяной мастерской при Ростовском архиерейском дворе и отдельных мастерах, работавших по заказам монастырей и церквей города. Основателем миниатюрной живописи «Финифти» по некоторым источникам является Митрополит Арсений Моцеевич. Мастера занимались изготовлением эмалевых дробниц для украшения предметов церковного обихода. С 1770-х г, в Ростове появились цеха, объединившие ремесленников по их специальностям. В числе прочих был организован цех иконописцев, куда входили мастера финифти.

Чернь, как вид художественной обработки металла на Руси известна с X века. Широкое развитие черневое искусство получило во второй половине XVII века на Севере, в Великом Устюге. Со второй половины XVII века и особенно в XVIII веке Великий Устюг входит в число крупнейших торгово-ремесленных центров Средневековой Руси. По размерам Великий Устюг занимал седьмое место среди 125 русских городов, уступая лишь Москве, Казани, Ярославлю, Нижнему Новгороду, Вологде и Костроме. Для Великого Устюга XVIII век явился периодом наибольшего расцвета черневого искусства. Великоустюжские мастера черневого дела уже к середине XVIII века сумели освоить целый ряд художественных и технических приёмов, придававших их работам черты неповторимого своеобразия. Благодаря талантливым мастерам устюжская чернь обрела своё лицо, отличное от искусства других художественных центров.

История Жостовского промысла восходит к началу ХIХ века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) – Жостово, Осташково, Хлебниково, Троицком - возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. В 1830 году производство подносов в Жостово и окрестных селениях увеличилось. Появились первые металлические кованые подносы, украшенные цветочной росписью. Железные подносы постепенно вытеснили табакерки и другие изделия из папье-маше. Выгодное расположение вблизи столицы обеспечивало промыслу потоянный рынок сбыта и позволяло обходиться без посредничества скупщиков. В Москве же приобретались и все необходимые для производства материалы. Основной мотив жостовской росписи – цветочный букет. В самобытном искусстве жостовских мастеров реалистическое ощущение живой формы цветов и плодов сочетается с декоративной обобщенностью, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, берестяных туесах, прялках и т.п. С давних времен славился Нижегородский край традициями металлообработки.

Одним из центров кузнечного и ножевого промыслов был и остается древний город Павлово, расположенный на берегу красавицы-реки Оки. В конце XVII века в Павлово насчитывалось до 50 кузниц. Одним из самых знаменитых был оружейный промысел. Позднее промысел металлообработки нашел свое развитие в производстве предметов бытового назначения: ножей, замков, ножниц. В экспозиции Павловского краеведческого музея бережно хранятся уникальные изделия Павловских умельцев: столовые приборы из английской стали, отполированные до зеркального блеска и украшенные тонкой гравировкой, ножи для открывания устриц, сырные ножи, замки размером от 0,7 грамма до 50 килограмм и самых различных форм: в виде петухов, часов, гербов, автомобилей и других. В числе современных экспонатов - нож «невидимка» и «подкованная» золотая механическая блоха. Творческие изыскания мастеров коснулись и производства художественных металлоизделий православно-церковной направленности с применением художес­твенных эмалей и других традиционных для этих изделий технологий. Этот уникальный вид декоративно-прикладного искусства появился на свет, как искусство украшения холодного оружия в начале ХIХ века, когда была открыта Златоустовская оружейная фабрика. Для работы на фабрике были приглашены немецкие специалисты из Золингена и Клингенталя, среди которых находился и известный мастер по украшению клинков - Вильгельм Шаф с сыновьями. Он и украшал первые златоустовские клинки. Но впоследствии этим уже занимались златоустовские художники, которые не только овладели шафовскими приемами нанесения рисунка на металл, но и усовершенствовали эту технику, создавая сложные сюжетные композиции и многофигурные батальные сцены. Применение в изготовлении клинков знаменитого булата П.П. Аносова и обуховской стали, высокая художественность в их украшении прославили златоустовское украшенное оружие не только в России, но и далеко за ее пределами. Об этом говорят многочисленные отечественные и зарубежные промышленные выставки, на которых это оружие постоянно представлялось и получало высокие оценки, а лучшие образцы хранятся в Государственном Эрмитаже, Оружейной палате Московского Кремля, Государственном историческом музее, Центральном музее военно-морского флота, Артиллерийском музее. Тематика украшения весьма разнообразна: орнаменты в русском, западноевропейском, арабском и др. стилях, картины природы, охотничьи или батальные сцены, портреты, символика (монограммы, личные знаки, гербы). Украшенные клинки могут быть изготовлены из высококачественных инструментальных сталей с защитным покрытием, нержавеющих или дамасских сталей. Ножны могут быть кожаными, деревянными, металлическими или комбинированными.

Семикаракорский фаянс – это яркое явление народной художественной культуры Донской земли. Он впитал все краски этого прекрасного и могучего края, его местную духовную культуру, традиции донского искусства, овеянные свободолюбивым духом казачества. Промысел берёт своё начало от вековых традиций гончарного ремесла казачьей станицы Семикаракорской. Многочисленные археологические исследования в окрестностях нынешнего города Семикаракорска подтверждают, что здесь ещё с дохристианских времён везде стихийно возникали кустарные гончарные мастерские, используя богатые местные ресурсы сырья: различные глины и песок. Белоснежный расписной фаянс с ажурными кружевными орнаментами, лепные жанровые скульптурки в сочетании с формами являются новым направлением в Донском прикладном искусстве. Для самостоятельного использования изготавливаются скульптуры малой пластики различной сюжетной композиции методом литья и ручной лепки.

Отличительными чертами изделий Гжельского фарфора являются декоративность, нарядность, эстетическая и функциональная выразительность, а также разнообразие форм. Роспись изделий отличается яркостью и контрастом кобальтовой краски с белым фоном благодаря использованию ручной подглазурной росписи кобальтом по утилю. В результате обжига черный, кобальт становится ярким и синим. Изделие расписывается беличьей кистью с определенным набором краски только на одну сторону кисти (так называемый «мазок с тенями»), где каждый последующий мазок отличается от предыдущего и обладает широким тональным диапазоном: от глубоких и темных тонов до легких и светлых. Наряду с традиционными элементами росписи (растительным, сюжетным орнаментом) применяются и закручивающиеся усики, спиралевидные завитки, точечные и штриховые заполнения, сеточки, полоски простого геометрического орнамента. Масштаб орнамента соответствует размерам изделий, а характер расположения рисунка подчеркивает красоту формы. Специфическая технология обеспечивает навеки сохраняющуюся яркость и свежесть красок. В 1766 году англичанин Франц Гарднер в Вербильцах (а ныне – Вербилках) стал производить фарфоровые изделия высокого качества, превосходящие белизной снежные покровы русской зимы. После успешного выполнения заказа императорского двора по изготовлению 4-х орденских сервизов – Георгиевского, Андреевского, Александровского и Владимирского в 1778-1785 гг., марка вербилковского фарфора получила широкую известность и безусловное признание. В 1892 году фабрика была куплена М.С. Кузнецовым. После революции 1917 года предприятие было национализировано и стало называться Дмитровский фарфоровый завод.

Технике ручной лепки, было суждено на четверть века определить лицо Кисловодского фарфорового производства. С полным основанием можно сказать, что в данном случае виртуозное владение приемом переросло в творческое направление. Под золотыми руками мастеров на глазах рождаются нежные розы, изящные ромашки и ландыши, другие цветы, удивительно напоминающие живые. Наряду с блестящими образцами лепки в последнее время применяются и другие известные виды декорирования фарфора. Используются сложные технологии ангобной, подглазурной, миниатюрной и люстровой росписи. Кисловодский фарфор – это новые декоративные возможности древнего материала, многообразие пластических форм, органичное соединение достоинств художественности и функциональности.

О глубокой древности Балхарской керамики свидетельствуют, наряду с пережитками матриархата в его организации (мастера только женщины), древнейшие мотивы в декоре. У балхарцев в процессе долгого развития и совершенствования керамической росписи в орнаментальных формах выработались очень интересные своеобразные черты, присущие только этому виду искусства. Вся роспись, начиная от горизонтальных поясов и кончая деталями узора, наносится на ножном гончарном круге, при медленном его вращении без предварительных замыслов и раздумий. Это, в свою очередь, предопределяет абсолютную неповторимость и бесконечную изменяемость орнаментальных композиций балхарских рисовальщиц. Обжиг ведется в самодельных купольных печах при помощи кизяка. Смешанный его окислительно-восстановительный характер, получаемый благодаря такому топливу, оказался причиной своеобразной окраски черепка балхарских сосудов: от розовато-терракотового до матово-черного. Эта характерная черта балхарской керамики в сочетании с кружевной вязью ангобной росписи усиливает ощущение рукотворности и неповторимости каждой вещи. В настоящее время производится более 30 видов различных изделий. Каждое неповторимо из-за своеобразной красоты и законченности формы, отвечающей назначению в быту. Наиболее распространены большие хозяйственные кувшины без ручек, специальные водоносные кувшины, маслобойные кувшины, подойники, кувшины с носом для умывания, небольшие кувшины для воды, открытые чаши для молочных продуктов, декоративные тарелки, кружки, вазы, оригинальные лепные скульптурки животных и человека, расписанные традиционной балхарской орнаментикой.

Дымковская глиняная игрушка – один из самый ярких и самобытных народных художественных промыслов Вятского края. На протяжении более чем четырех веков дымковская игрушка олицетворяла быт и жизненный уклад многих поколений вятчан. Промысел зародился в слободе Дымково Вятской губернии (ныне Кировская область), отсюда и название игрушки. Первыми дымковскими игрушками стали свистульки, вылепленные к ежегодному весеннему празднику «Свистуньи», проводимому «в честь убиенных» в битве 1418 года между вятчанами и устюжанами у стен Хлыновского кремля. С середины 20 века промысел живет и развивается только в городе Кирове (Кировская область) на противоположном от слободы Дымково берегу реки Вятки. Город Киров является единственным традиционным местом бытования этого народного художественного промысла. Изготовляли игрушку в Дымково целыми семьями. Летом копали и месили глину, толкли вручную и растирали в краскотерках комовой мел, с осени до весны лепили, сушили, обжигали изделия, ближе к «Свистунье» белили мелом, разведенным на снятом коровьем молоке, красили яичными красками, украшали ромбиками сусального золота, золотистой потали. За четыреста с лишним лет существования и развития дымковского промысла в нем сложились традиционные темы, сюжеты и образы, нашли отображение и закрепление выразительные средства, присущие очень пластичной красной гончарной глине, несложные (геометрического рисунка) орнаменты росписи, в которых преобладают красный, желтый, оранжевый, синий, зеленый цвета. Дымковской игрушке чужды полутона и незаметные переходы. Вся она – бьющая через край полнота ощущения радости жизни.

Псковский (Луковский) гончарный промысел насчитывает более 300 лет своего существования. Первое подробное описание этого промысла опубликовано в «Статистических очерках» Псковского губернского статистического комитета за 1884г. Устойчивое долголетнее существование промысла на одном месте объясняется в частности и тем, что в этих местах (по берегам р. Черехи) имеются значительные залежи глины, пригодной для изготовления керамических изделий. За время существования промысла сложился целый ряд художественно-стилевых особенностей, характерных для Псковского гончарства. Прежде всего, это ангобная роспись, которая широко применялась уже в 17в. Методы нанесения ангоба на изделия различные – с помощью кисти, с помощью груши, оплеск. Традиционные мотивы росписи и старых мастеров и современных- растительные композиции, звериный стиль, геометрический орнамент, в основе которого условные изображения солнца, деревьев и т.п. Метод ангобной росписи дает мастеру практически беспредельные возможности для варьирования. Особенно широкое применение ангобной росписи используется в декорировании посудной группы. Неповторимым является сочетание красножгущейся глины с белым и черным ангобами. Одно из традиционных направлений – рельефный орнамент с подцветкой. Истоками этого направления являются Псковские изразцы на печах и каминах, Печерские керамиды. Это одна из древнейших традиций Псковского гончарства.

Скопинский гончарный художественный промысел - традиционный центр народного искусства на Рязанской земле. Своим возникновением промысел обязан глине, залегающей в больших количествах в окрестностях города Скопина. Глиняная посуда в местах, где позднее появился город Скопин, делалась еще во времена Киевской Руси. В этой посуде сбивали масло, заквашивали тесто, хранили молоко, воду, квас. Годом рождения Скопинского гончарного промысла считается 1640-й. В этом году в переписи населения появилось первое имя Скопинского гончара - Демка Киреев, сын Бердников. Скопинский гончарный промысел развивался, как и многие другие в России, производя гончарную посуду для крестьянского быта, печные трубы, кирпич, черепицу. Но во второй половине XIX века в Скопине появилась отрасль, прославившая его далеко за его пределами, производство глазурованных фигурных сосудов и подсвечников, многоярусных, украшенных сложной лепниной, выполненных в виде диковинного зверя или с фигурами птиц, рыб и животных.

Турина гора - это промысел необычный. В основе выпускаемых им изделий лежит не хранимая и передаваемая из поколения в поколение традиция, как, например, в Палехе или Хохломе, а творческое своеобразие художественного видения и мышления каждого мастера. Однако это не говорит о том, что в «Туриной горе» нет традиций. При сохранении индивидуальности большинство художников ориентируются в своем творчестве на изобразительные основы архаичных культур. В названии промысла, связанного с древней культурой человечества отражена его основная стилистическая ориентация, органично вписывающаяся в современный художественный процесс. Туриногорцы черпают вдохновение в символике искусства Древнего Востока, в языческой культуре Древней Руси и народов Сибири, обращаются к мотивам и формам античной классики. Из интереса к архаичным культурам, искусству древних тюрков, алтайских скифов, а также традиционному искусству современных алтайцев, сохранившему архаичные корни, постепенно формировалось художественное кредо промысла, которое дало его продукции неповторимость и узнаваемость. «Жемчужиной народного искусства» называют филимоновскую игрушку. Она поражает своей простотой и, одновременно, изяществом своих форм, красотой и выразительностью орнамента и неповторимостью звучания. Монолитное, скупое на детали изображение: неширокая юбка-колокол плавно переходит в короткое узкое тело и завершается конусообразной головой, составляющей одно целое с шеей. В руках - птичка-свистулька и ребенок. Скупость формы замечательно компенсируется нарядностью и весёлостью бесхитростного орнамента: разноцветные штрихи, пятна, веточки, розетки… Перед нами образ филимоновской барышни - потомка одной из древнейших (по некоторым данным ей около семисот лет) игрушек России. Возраст филимоновского чуда достаточно условный. Специалисты утверждают, что искусство лепки и росписи затейливой глиняной потешки пришло в одоевские края из далекого палеолита, а при раскопках Жемчужниковского и Снедковского курганов, городищ в Одоеве обнаружены черепки гончарных изделий, относящиеся к IX – XI векам, с рисунками и знаками, которыми расписывают сегодня филимоновскую игрушку. Традиционный набор сюжетов в филимоновской игрушке - барыня, всадник, конь, олень. Для них характерны вытянутые пропорции, связанные с пластическими свойствами местной чёрно-синей глины – «синики», встречающейся исключительно в окрестностях Филимоново. Иссиня-черного цвета, жирная, тягучая, она совсем не похожа на горшечную глину или на глину, из которой лепят игрушки в Кирове, Каргополе, в других местах. «Синика» сама подсказывает метод работы с нею, приемы ручной лепки. Вязкая, однородная, как тесто, масса легко мнется, формуется, позволяет свободно вытянуть форму игрушки целиком, и нет необходимости лепить ее по частям, примазывая ее друг к другу. И вот в привычных руках, в заученных движениях комок этой глины становится сначала колоколом юбки и из него уже поднимается изящный стан барыни, ловко вытягивается в маленькую головку и в момент завершается примятой островерхой шляпкой. В руках мастерицы не остается ни одного лишнего комочка – все точно рассчитано. Только уточку-свисток подмышкой у барыни всегда лепят отдельно. Тем же способом делают и другие игрушки. Хочет мастерица слепить свистульку –коня или корову – отделяет нужный кусок глины и привычно ловко изгибает его в толстый жгут. И тут же из одной его половины вытягивает четыре прочные ноги-поставки и свисток, а из другой – длинную-предлинную шею с крохотной головкой странного животного.

Узорно-ремизное ткачество - старинный вид народного ремесла - было развито во многих деревнях Нижегородского края, особенно на северных его окраинах. Домоткаными узорами крестьянки украшали половики, одежду, покрывала, скатерти, столешницы, полотенца. Материалом для ткачества служили лен, шерсть и хлопок. Нижегородское ткачество отличалось большой узорностью геометрического орнамента и тонкостью колорита. Количество цветов в ткани немногочисленно, гармонично и благородно в оттенках. В основном это белый, красный, синий цвета. Благодаря тонко найденному композиционному решению цвета и орнамента изделия ткачих имели особенную изысканность. Это высокохудожественные скатерти, портьеры, салфетки, покрывала на диван и кресла, полотенца, фартуки из хлопковой и льняной пряжи, вискозы, полушерсти с использованием синтетической пряжи. Вся выпускаемая продукция сертифицирована. Красивые и практичные изделия шахунских ткачих нужны людям для будней, праздников, и удовлетворят любой вкус. Они оживляют интерьер, придают ему особую привлекательность и национальный характер, наполняют его душевным теплом и уютом.

История камнерезного промысла уходит корнями в далекое прошлое и неразрывно связана с таинственной «мраморной» пещерой, расположенной на берегу реки Пьяны в с. Борнуково Бутурлинского района. Издавна эта пещера славилась своим поделочным камнем — ангидритом или как его называли «нижегородским мрамором». Он был самых разных оттенков: розового, белого, голубоватого, коричневого, серого и зеленоватого, с разнообразными рисунками и узорами. Во времена Екатерины II камень, добываемый в пещере, отправлялся в Санкт-Петербург на отделку дворцов. Расцвет борнуковского камнерезного искусства приходится на 30-е годы XX века, когда в с. Борнуково была создана фабрика художественно-камнерезных изделий «Борнуковская пещера». Сначала она работала, как филиал Казаковского объединения ювелирных изделий, потом самостоятельно. Через несколько лет, переняв опыт уральских мастеров, борнуковские резчики по камню достигли вершин мастерства и неоднократно удостаивались самых высоких наград на российских и международных выставках, в том числе на выставке в 1937 году в Париже. При обработке камня используется токарная обработка в сочетании с объемной и рельефной резьбой, гравировкой. Образцы животных и птиц отличаются лаконичностью и в тоже время неповторимыми «характерами», которые позволяют выявлять природную красоту материала. Выразительный силуэт, мягкая пластичность, лиричность, бесхитростность создаваемых образцов передают красоту и своеобразие животного мира и доброту русской души. Помимо скульптур птиц и зверей, в большом ассортименте мастера предприятия изготавливают предметы быта: изящные подсвечники, вазы, шкатулки, письменные наборы.

Тобольский косторезный промысел, один из четырех традиционных косторезных промыслов России, возник в начале 17 века во время правления первого Тобольского губернатора Матвея Гагарина. Возникновение косторезного промысла в Тобольске обусловлено обилием бивня мамонта, который находили по берегам северных рек. В XIX веке резьбой по кости в Тобольске занимались ссыльные поляки, которые в 1860-е годы занялись изготовлением брошей, табакерок, заколок, а также образов Мадонны. К концу 1860-х годов в городе работала группа местных косторезов, а в 1874 году открылась "Сибирская мастерская изделий из мамонтовой кости С. И. Овешковой". Тобольские косторезы пользовались спросом в Санкт-Петербурге, Москве, Казани, Киеве, Нижнем Новгороде. К середине 1870-х годов тобольская резьба по кости практически становится промыслом, со всеми присущими ему особенностями организации производства и сбыта. Основной линией развития тобольского промысла стала миниатюрная объемная скульптура. Фигуры отличаются обобщенной пластикой, выявляется фактура материала, поверхность которого оставляют гладкой, тщательно отшлифованной. Северная тема объявляется традиционной для тобольской резной кости. Уэленская косторезная мастерская, созданная в 1931 году, объединила чукотских и эскимосских мастеров-косторезов, увлеченно занимающихся скульптурой или специализирующихся на украшении кости цветной гравировкой. Мастерская является одним из самых крупных в мире центров изобразительного искусства аборигенных народов Арктики.

Уникальная техника цветной гравировки по клыку моржа создана в Уэлене в начале века и применяется только местными чукотскими и эскимосскими косторезами. Скульптуры, выполненные в лаконичной и выразительной манере, представляют собой многофигурные композиции, изображающие сцены из жизни народов Севера — охоту, ловлю оленей, оленьи и собачьи упряжки. Работы талантливых мастеров резьбы глубоко индивидуальны, в них лиризм сочетается с экспрессией, традиции — с современными тенденциями развития косторезного искусства.