Дмитрий Плавинский - интервью
Plavinsky Dmitry Petrovich (1937-2012) - one of the leading masters of the Moscow "unofficial art". He is known for his romantic and melancholic paintings and drawings, combining the surreal with the Church and Orthodox motifs. He later turned to spatial installations.
Плавинский Дмитрий Петрович (1937-2012) один из ведущих мастеров московского «неофициального искусства». Известность ему принесли романтико-меланхолические живопись и графика, сочетающие черты сюрреализма с церковно-православными мотивами. Позднее он обращался к пространственным инсталляциям.
Родился в арбатских переулках. Рано испытал превратности судьбы: ему было всего 8 месяцев, когда мать репрессировали, и ребенок, оставшийся один зимой в остывающей избе подмосковной деревни, не умер только благодаря случайному приезду отца. Начал рисовать в 9—10 лет, в 12 поступил в городскую художественную школу, где преподавали в то время молодые художники — представители неофициального искусства.
«Рисовал я много и увлеченно, — вспоминает Плавинский, — много копировал с Гнедича, жадно наблюдал, да и просто жил уличной жизнью. Копии выработали во мне несколько преждевременное мастерство, картинность и безумную любовь к великим мастерам всех времен и народов». В 1951—56 учился на театральном отделении Московского областного художественного училища «Памяти 1905 года» (руководитель В. А. Шестаков, в прошлом главный художник Театра им. Мейерхольда), в котором в разное время занимались Д. М. Краснопевцев, Б. П. Свешников, А. Т. Зверев. Знакомство с «гениальной» (по словам Плавинского) поэзией Велимира Хлебникова во многом повлияло на мировосприятие художника.
Абстрактно-вещественная живопись. Первые из сохранившихся работ Плавинского отличаются довольно традиционной живописной манерой. Прошедший в Москве в 1957 Международный фестиваль молодежи и студентов, давший возможность молодому художнику познакомиться с современным искусством Европы и Америки, повлиял в какой-то степени на резкую перемену живописи художника в сторону абстракционизма произошла. Первыми работами, построенными на сочетании разных фактур, были «Натюрморт с ножницами» и «Девушка у окна».
В конце 1950-х гг. Плавинский впервые посетил поразившую его Среднюю Азию, где не только изучал мусульманскую культуру, но и много работал, ради заработка расписывая фресками дома местных жителей. В дальнейшем неоднократные поездки по Средней Азии привели к созданию серии «Череп и Коран» и объекта «Азия. Город мертвых». В 1960 на квартире у искусствоведа Ильи Цирлина состоялась первая персональная выставка художника, а Георгий Костаки приобрел «Кричащую рыбу» — работу, открывающую тему рыб, черепах, ящериц, жуков, бабочек. С этого времени с полотен Плавинского практически исчезают люди.
В созданной в 1962 композиции «Голоса молчания» художник впервые развивает тему «Единого Времени», в «Целоканте» (1965) дает «драматический образ древнейшей рыбы, в муках рождающей человека». В 1967 в Музее современного искусства Нью-Йорка была организована выставка русского искусства 15—20 вв., после которой три из представленных работ Плавинского было приобретено музеем. В середине 1960-х гг. художник осваивает офорт, занимается скульптурой и инсталляцией, сочетая живопись и объемные формы. «Евангелие от Иоанна» (1966), «Слово» (1967, Третьяковская галерея) и другие произведения были созданы после работа над славянской палеографией в музеях и монастырских библиотеках в городах Русского Севера (Новгород, Псков, Ярославль и др.). Деревенской теме, вымиранию деревни и тяжелой жизни русских крестьян, посвящена серия офортов, разрабатываемых художником в течение 15 лет («Бегущая во тьме», «Крест», 1976 и др.).
Новый период В 1977 начался новый период в творчестве художника — по его словам, он перешел «от фактурных и полуобъемных работ к лаколессировочному пространству, поглощающему объект и его дематериализующему. Центром внимания становится не предмет, а пространство» («Старое кресло», 1977; «Летящая рыба», 1978; «Скат», 1981; «Черепаха», 1982). Основанные на современной стилистике картины Плавинского отличаются плоским фронтальным изображением и отсутствием воздушной среды. С 1988 Плавинский начал серию работ, связанных с музыкой — в свои композиции включает ритмические построения нотного письма Баха, Моцарта, Стравинского и др. С 1991 жил в Нью-Йорке. Сложные противоречивые впечатления от Нью-Йорка воплотились в инсталляции «Алтарь Нострадамуса» (семь 3-метровых вертикалей), замыкающей цикл работ с нот описью авангардного американского композитора Джорджа Крамба.
