Палитра в мастерской художника
интервью, работы, статьи
исторические эссе исторические эссе

факты и домыслы, реконструкция исторических событий

Культура и религия диалог культур и религий
духовное единство человечества - это постоянный диалог многих культурных традиций, где каждый человек есть образ и подобие Божие
Художественное образование художественное образование

художественное образование не предполагает всеобщего превращения людей в художников. Однако художественная грамотность необходима всем

Кошка Даша мир глазами детей

детское творчество и образовательные программы для детей

Искусство врачевания искусство врачевания
от Ветхого Завета до наших дней
Фитотерапия фитолечение

Лекарственные растения - особенности лечения и виды пременения

Живопись, скульптура, графика

Живопись, скульптура, графика, декоративно-прикладное и театрально-декорационное искусство

Оскар Качаров - Диалог со временем

Osсar Kacharov, achieving a highest level of academic excellence, chose his hard-won way in the art, avoiding stereotypes and templates. His paintings are vivid, often presenting dissonant colours, creating rhythmic and colourful polyphony, they sound like the chords of contemporary music. The artist belongs to a remarkable constellation of artists of the Soviet period, whose works are marked by the desire to understand the pressing issues of our time more deeply. Presenting intense public involvement, Osсar Kacharov found new means of artistic expression and left a bright trace in the history of the national art.
Zurab Tsereteli, the President of the Russian Academy of Arts

Оскар Абрамович Качаров, в совершенстве владея школой академического мастерства, шел в искусстве своим нелегким путем, избегая стереотипов и шаблонов. Его картины — яркие, часто с диссонансными красками, создающими ритмико-цветовую полифонию, звучат как аккорды современной музыки. Художник принадлежал к замечательной плеяде мастеров советского периода, творчество которых, отмеченное стремлением более глубоко осмыслить острые проблемы современности, высокой гражданственностью, поиском новых средств художественной выразительности, оставило яркий след в истории отечественного искусства.
Президент Российской академии художеств,
народный художник России,  Зураб Церетели



ознакомиться с монографией  "Диалог со временем"

Отрывки и монографии
Мое детство прошло в древнерусском городе, недалеко от Киево-Печерской лавры. В те годы люди шли пешком на богомолье за тысячи километров. Колокольный перезвон, яркое солнце, играющее на куполах церквей и трубах духового оркестра, маршировавшего с военными частями, эхо над днепровскими далями — все эти впечатления сохранились в памяти навсегда.

Оскар Качаров родился 11 мая 1924 года в Киеве. Рисование увлекло его с самого раннего возраста, а потом изостудия Дворца пионеров, частная студия художника-передвижника М.М. Ярового. С двенадцати лет другой цели, кроме живописи, для него не существовало.

В 1941 году он окончил специальную среднюю художественную школу имени Т.Г. Шевченко. 21 июня был выпускной вечер, а на рассвете 22-го - первая бомбежка.

Война. В 1942 году Качаров добровольцем ушел на фронт. Воевал на 1-м Белорусском, был механиком авиационного гарнизона, участвовал в штурме Берлина.

Буду я стрелком-радистом,
Буду я летать со свистом
Задом наперед…


Сохранились фронтовые рисунки Качарова, выполненные карандашом на небольших листочках бумаги. Сейчас эти натурные зарисовки приобрели документальную ценность. Они впервые были экспонированы в 2010 году на выставке, посвященной 65-летию Победы, которая с большим успехом прошла в Непале.
Я вообще-то убежденный пацифист. Ушел добровольцем в 18 лет… в один день с отцом. Как раз успел окончить художественную школу. Хорошо умел карту читать. Потому и взяли в разведку. Прошел школу сталинских разведчиков!
Однажды в наблюдательном пункте получил подзатыльник от командира. Какой-то отчет надо было срочно делать, а я смотрю и вдруг вижу яркий такой разрыв. «Товарищ подполковник, — говорю, — как красиво!» Ну и подзатыльник заработал. Мужики на меня удивлялись. А мне красоту видеть необходимо, тем более что я прошел через эту бойню......

Дмитрий Жилинский - творчество

Дмитрий Жилинский

Works by Dmitry Zhilinsky are distinguished by carefully executed, detailed and accurate drawing. Working in the genre of portrait, he created numerous group and individual portraits, portrait compositions. The exact portrait similarity of models is combined in his work with profound psychology and depth of disclosure of characters. Zhilinsky found his own, different from the artists of the "surovy stil", way in art, referring to the Medieval, Renaissance and Old Russian traditions. The color range of many of his works comes from the canon of Old Russian painting. However, the creative use of artistic systems of the past does not lead the artist away from modern problems. He created portraits of his contemporaries: artists, musicians and scientists.


Дмитрий Дмитриевич Жилинский (1927 – 2015) – академик Российской академии художеств, Народный художник РСФСР. Автор многочисленных сюжетных полотен и портретов. Среди наиболее значимых картин можно назвать такие, как «У моря. Семья» (1964), «Гимнасты СССР» (1964), «Под старой яблоней» (1969), триптих «1937 год» (1986—1987). В 1951 году он окончил Московский государственный художественный институт им. В.И.Сурикова. Его педагогами были Н.Чернышев, С.Чуйков, П.Корин, А.Грицай, В.Яковлев. Огромную роль в становлении творческой личности художника сыграл В.Фаворский.

Живописные работы Дмитрия Жилинского отличает тщательно выполненный, детальный и точный рисунок. Работая в жанре портрета, он создал многочисленные групповые и индивидуальные портреты, портретные композиции. Точное портретное сходство моделей сочетается в его творчестве с глубоким психологизмом и глубиной раскрытия характеров. Жилинский нашел свой собственный, отличный от художников «сурового стиля», путь в искусстве, обратившись к средневековой, ренессансной и древнерусской традициям. Цветовая гамма многих его произведений исходит из канона древнерусской живописи. Однако творческое использование художественных систем прошлого не уводит художника современной ему проблематики. Его герои – это его современники, друзья, родные и близкие ему люди: художники, музыканты, ученые.

Виталий Пушницкий - творчество

Виталий Пушницкий

Vitaly Pushnitsky (1967), a member of the St.Petersburg Union of Artists, works in painting, drawing and sculpture. He is also engaged in installation, develops new techniques at the junction of various arts, often uses photography as a base for his graphic projects. In his interpretation, art is the mechanism of time, and the artist is a connecting element in the context of historical periods. Analytical research becomes for him an object of art .

Виталий Пушницкий (1967), член Санкт-Петербургского Союза художников, работает в живописи, графике и скульптуре, занимается инсталляцией, разрабатывает новые техники на стыке различных видов искусства, часто использует фотографию как базу для своих графических проектов. В его трактовке искусство является механизмом времени, а художник связующим элементом в контексте исторических периодов. Аналитическое исследование становится для него объектом искусства.


В своих работах он раскрывает персональное ощущение времени и пространства, дискутирует с классическим искусством, совмещая его с современностью, импровизирует.
«Импровизация - это всегда риск, - говорит художник, - но лишь в ней отчётливо видно настоящее мастерство… В студенчестве я прошёл полный путь экспериментов: от классицизма до кубизма и абстракций и даже акционизма. И пришёл к выводу, если хочешь что-то сказать, говори проще. Я ничего не декларирую. Художник – не политик, он никого никуда не зовёт. Он лишь молча на что-то указывает. А ценно это или нет – не его забота. Время покажет».

Элий Белютин

Элий Белютин

The creative range of Belyutin is very wide: painting, graphics, sculpture, theoretical works. He seeks to express himself and convey his attitude through free creativity, continues the convergence of abstraction and a specific symbol, uses the principle of coding, the figure in the canvas is transformed into a graphic sign. At the same time, his painting is highly expressionistic.
Belyutin made his way from the abstract expressionism of the early years to a purely schematic letter of the late period. Based on the provisions of Constructivism and Suprematism, the artist created his own special artistic style - "modular painting", the language of symbols.


Элий Михайлович Белютин в юности с одинаковым интересом занимался живописью и музыкой, но традиции семьи – его отец был театральным художником, известным коллекционером живописи и скульптуры – все же взяли верх.
В 1942 году он поступил в Московский художественный институт им. В.И.Сурикова. Учился у таких педагогов, как А.В.Лентулов, К.Н.Истомин, П.В.Кузнецов и др.

С 1950 года художник занимается преподавательской деятельностью: сначала в Московском товариществе художников, потом, с 1954 года, в созданной им «Экспериментальной студии живописи и графики» при Горкоме художников книги и графики.

Основной задачей Студии ставился поиск новых форм и средств художественной выразительности. Художники использовали всю силу красок, прибегали к гротеску, обращались к стилизации композиции. Приемы абстракции воспринимались ими как этап на пути дальнейшего художественного поиска. Это направление в искусстве они называли «новая реальность». Белютин так формулировал задачи своего курса:
«Мы пройдем по всей мировой истории человеческой культуры и искусства и всех стран современности, проанализируем самые различные методы, принципы изобразительности и выражения – Египет, Возрождение, доисторические эпохи… и лучшее отберем себе на вооружение».

В конце 50-х годов он разрабатывает авторскую теорию «всеобщей контактности», основой которой стало представление об искусстве как о своего рода терапии, как о способе сглаживания потрясений от контакта с внешним миром, травмирующим личность человека.

«Задача искусства – зарядить человека творческой энергией. Именно ради творческого «Я» я и пишу свои холсты» - это высказывание Белютина можно считать его творческим кредо.

Дмитрий Плавинский - творчество

Dmitry Plavinsky (1937-2012) - one of the leading masters of the Moscow "unofficial art". He is known for his romantic and melancholic paintings and drawings, combining the surreal with the Church and Orthodox motifs. Later he turned to spatial installations.



Плавинский Дмитрий Петрович (1937-2012) один из ведущих мастеров московского «неофициального искусства». Известность ему принесли романтико-меланхолические живопись и графика, сочетающие черты сюрреализма с церковно-православными мотивами. Позднее он обращался к пространственным инсталляциям.

Его детство прошло в арбатских переулках. Рано испытал превратности судьбы: ему было всего 8 месяцев, когда мать репрессировали, и ребенок, оставшийся один зимой в остывающей избе подмосковной деревни, не умер только благодаря случайному приезду отца. Начал рисовать в 9—10 лет, в 12 поступил в городскую художественную школу, где преподавали в то время молодые художники — представители неофициального искусства.

Александр Токарев

Александр Токарев

Music - a favorite theme in the work of the Moscow artist Alexander Tokarev. The theme "Man-Orchestra" led him to a universal formula, allowed to acquire coloristic and plastic freedom. It found the exact ratio of symbolic and abstract, given and spontaneous, which of all arts is inherent, above all, music. The virtuoso improvisation "Man-Orchestra" has grown to four hundred canvases and has become a creative strategy. It is a journey deep into yourself, the very research, an endless lyrical self-portrait.

Музыка – любимая тема в творчестве московского художника Александра Токарева. Тема «Человек-Оркестр» привела его к универсальной формуле, позволила обрести колористическую и пластическую свободу. В ней найдено точное соотношение символического и абстрактного, заданного и спонтанного, которое из всех искусств присуще, прежде всего, музыке. Виртуозная импровизация «Человек-Оркестр» разрослась до четырехсот холстов и стала творческой стратегией. Это - путешествие вглубь себя, само исследование, бесконечный лирический автопортрет.



Александр Токарев родился в 1946 году в Одессе в семье художников (отец - Вячеслав Васильевич Токарев, народный художник Украины, мать - Любовь Иосифовна Токарева (Александрович), художник-живописец, член Союза художников СССР).
В 1966 году окончил Одесское художественное училище им. М.Б.Грекова.
В 1972 году – Всесоюзный государственный институт кинематографии (художественный и режиссёрский факультеты).
В 1974 году состоялась его первая персональная выставка в Москве. В том же году он стал членом Московского союза художников.
В 1990 году – первая персональная выставка в Париже.
В 2008–2009 годах – персональные выставки в Государственной Третьяковской галерее в Москве и Русском музее в Санкт-Петербурге.
Также в 2009 году в рамках Фестиваля искусств Пьера Кардена (Лакост, Франция) состоялась персональная выставка «Александр Токарев. Человек-Театр».

Значимые выставки последних лет:
«Ночь Лунатика» на Винзаводе (2011),
«Притчи» в Российской академии художеств (2012),
«Рикша-Блюз» в Государственном музее искусств народов Востока (2012),
«Как хороши цветы! В них райская есть слава… 100 лучших российских художников ХХ века» в галерее «Дом Нащокина» (2012),
Первая биеннале в Калькутте (2015, Индия),
«Цирк» в Русском музее (март – май 2016),
«Москва и москвичи в искусстве XX-XXI веков» в Музее Москвы (2016).

Александр Токарев – член-корреспондент Российской академии художеств. один из немногих художников, занимающихся крупной формой в изобразительном искусстве. В своих многочастных произведениях – триптихах и полиптихах, как в собственном театре, художник сам себе драматург, режиссер и актер. В этом «театре жизни» смешиваются комедия божественная и человеческая, эпическое сказание и театр абсурда, реальность и мифология. Живописные повествования разворачиваются перед зрителем как гипертексты, совмещающие слои различной глубины. Его метафоры, образы и пластические решения – о творчестве, любви, детстве, памяти… о Бытии. Суть его творчества - поэтическое восприятие мира во всех проявлениях – ничтожестве и величии, трагедии и комедии…

Дмитрий Цветков - творчество

Dmitry Tsvetkov was born in 1961 in Kolomna. In 1988 he graduated from the Moscow State Academic Art Institute named after V.I.Surikov. His artistic method is based on surreal paradox, the study of gender, age, professional and social cliches.


Дмитрий Борисович Цветков родился в 1961 году в Коломне. В 1988 году окончил Московский государственный академический художественный институт им. В.И.Сурикова. В основе его художественного метода лежит сюрреалистическая парадоксальность, исследование гендерных, возрастных, профессиональных и социальных клише.

Сергей Бусырев

Murmansk artist Sergey Busyrev works in a peculiar style, which he named "synthesis". Dive into the world of subtle, elusive feelings and emotions is a characteristic feature of his work. His paintings are very musical and dynamic. The artist experiments with countless shades of color, combining the unbridled brightness with muted shades and undertones.
Paintings of Sergey Busyrev convey the love, affection, and expectations of happiness.


Мурманский художник Сергей Бусырев работает в своеобразном стиле, которому он сам дал название «синтетизм». Погружение в мир тончайших, неуловимых чувств и эмоций является характерной чертой его творчества. Его живопись очень музыкальна и динамична. Художник смело экспериментирует с бесчисленными оттенками цвета, сочетая безудержную яркость с приглушенными нюансами и полутонами.
Картины Сергея Бусырева передают состояние влюбленности, нежности, и ожидания счастья.

подробнее

Майя Бирюкова

From the author.
Tapestry appeals to me for its inexhaustible aesthetic possibilities, warmth, sophistication, a beneficial energy. This is the object, combining modern design with the ancient technique of hand-weaving. The tapestry evokes a sense of respect, by definition, as it requires a considerable amount of work and knowledge from his Creator. The tapestry may be the most daring experiments with texture and color relationships


От автора.

Гобелен привлекает меня своими неисчерпаемыми эстетическими возможностями, теплотой, утончённостью, благотворной энергетикой. Это - объект, сочетающий в себе современный дизайн и древнейшую технику выполнения изделий ручного ткачества. Гобелен вызывает к себе уважение по определению, так как требует немалого количества труда и знаний от своего создателя. В гобелене возможны самые смелые эксперименты с фактурой и цветовыми отношениями.

подробнее

Даврон Сафоев

The honored artist of Uzbekistan Davron Safoyev (1932-2015) lived in Samarkand, he worked in the field of theatrical-decorative art. He has created wonderful scenery for many dramatic works, among them "Gulsanam", "Daughter of the mountains", "Heart of a Poet", "The Awakening", "The Legend of Samarkand" and others.


Самаркандский художник, заслуженный деятель искусств Узбекистана Даврон Сафоев (1932–2015) посвятил свою жизнь театрально-декорационному искусству.
Профессиональное образование в области театральной декорации и непосредственное творческое сотрудничество стали основой на пути постоянного роста его мастерства.
Жизнь Д. Сафоева была плодотворна. Он создал замечательные декорации ко многим сценическим произведениям, в их числе «Гульсанам», «Дочь гор», «Сердце поэта», «Пробуждение», «Легенда Самарканда» и другие.
Начиная работу над театральными декорациями, он всегда, прежде всего, изучал литературную основу сценического произведения, народные обычаи, национальные традиции, фольклор.
Для его творчества характерно симметричное соотношение композиции, цвета и линий, а также точное соответствие идее сценического произведения. Пластическое и цветовое решение созданных художником декораций всегда привлекало (и привлекает) внимание широкой театральной публики, побуждая ее к размышлению и философскому восприятию спектакля, способствуя средствами живописи, скульптуры и архитектуры раскрытию содержания и стиля театрального представления.

Театрально-декорационное искусство (сценография) - вид изобразительного искусства, связанный с оформлением театральных постановок. К произведениям театрально-декорационного искусства относятся декорации, обозначающие место действия спектакля, костюмы и грим актеров, бутафория, реквизит, освещение. Все эти элементы сценографии должны образовывать единое целое, выражать замысел театрального действия. Основой сценографии является декорация, включающая в себя изобразительное решение сценического пространства: задник, кулисы, занавесы, ширмы, драпировки. В классических театральных постановках обычно использовались живописные задники, которые вместе со сценическими конструкциями создавали иллюзию единой пространственной среды, где происходит действие спектакля. Воплощению декорации чаще всего предшествуют выполненный художником эскиз и макет сценографии.

Игорь Ширшков

Igor Shirshkov was born in 1962 in the city of Ulan-Ude. He graduated from the Irkutsk Polytechnical Institute, Department of Architecture. Since 1986 has participated in exhibitions of the Union of artists of the USSR. He defended his thesis on "the Principles of formation of the artistic language of Malevich as a landmark system in the context of the culture of the twentieth century", Professor, Department of Design, Irkutsk State Technical University, academician of the International Academy of Sciences on Nature and Society.



Родился в 24 марта 1962 года в г.Улан-Удэ. Окончил Иркутский политехнический институт, архитектор. Начиная с 1986 года участвовал в выставках Союза художников СССР. Защитил кандидатскую диссертацию по теме «Принципы формирования художественно-пластического языка К.Малевича как знаковой системы в контексте культуры ХХ века", профессор кафедры дизайна ИрГТУ, академик Международной академии наук о природе и обществе.

подробнее

Владимир Белан

Vladimir Belan's painting is the quintessence of reality, interwoven with the paradigms of aesthetic premonitions, creating an additional field for the self-realization of the canvas, regardless of the author. Impressionist philosopher, opening the thousandth door to the world of spiritual formation, into the world of overcoming time. The Creator is a prophet, and every work is a confession.



Творчество Владимира Белана - квинтэссенция реальности, переплетающаяся с парадигмами эстетического предчувствия, создающая дополнительное поле для самореализации полотна уже независимо от автора. Импрессионист-философ, открывающий тысячную дверь в мир духовного становления, в мир преодоления времени. Творец – пророк, и каждое произведение – исповедь.

подробнее

Татьяны Ян

Poetic images of Tatiana Yan generated not only strong vitality, but no less important is the intellectual awareness of the artist. The interpretation of time in her painting correlated with the modern philosophical ideas of pure time in which compressed past, present and future. Image color and composition with the inclusion of flowers of different level of artistry – the place of painting for centuries and our time. These are usually still-lifes in the truest sense of the term: dead natural object (i.e., turned off from reality) or a monument to instant beauty. The flowers were painted as the great artists and artisans from the art, folk artists and naive seers. Hyper realistic images of flowers attracted the attention of the Creator at all times – from antiquity (the frescoes of Pompeii and Herculaneum) to the present day.



Изображение цветов и композиции с включением цветов разного уровня художественности – общее место живописи испокон веков и нашего времени. Обычно это натюрморты в прямом смысле термина: мёртвый природный объект (то есть выключенный из реальности) или памятник мгновенной красоте. Цветы рисовали как великие художники, так и ремесленники от искусства, народные мастера и наивные провидцы. Гиперреалистическое изображение цветов привлекало внимание творцов во все времена – от античности (фрески Помпеи и Геркуланума) до сегодняшнего дня. Поэтические образы Ян порождены не только сильной витальностью, но не менее значима здесь интеллектуальная осведомлённость художницы. Трактовка времени в её живописи соотносима с новейшими современными философскими идеями о чистом времени, в котором спрессованы прошлое, настоящее и будущее.

читать текст полностью

подробнее

Ольга Булгакова

Ольга Булгакова

Moscow painter Olga Bulgakovа refers to a generation of artists who started their way in art in the 1970s. Her artistic style is closely connected with the direction of the "seventies", with its intellectual polysemy, erudition, irony, grotesque, metaphoricality and theatricality.
In her works Bulgakova seems to create a new world using a certain plastic code in color, light, space and metaphors. There is a subtext, a secret meaning in each of her canvases. Phantasmagoric dwarfs, mysterious women, fantastic birds are frequent images in her paintings

Московский живописец Ольга Васильевна Булгакова относится к поколению художников, начавших свой путь в искусстве в 1970-х годах. Ее творчество тесно связано с направлением «семидесятников», с его интеллектуальной многозначностью, эрудицией, иронией, гротеском, метафоричностью, игрой и театральностью.

В своих произведениях Булгакова словно конструирует мир, используя некий пластический код в цвете, свете, пространстве, соотношении объемов, метафоричности. В каждом ее холсте есть подтекст, тайный смысл. Фантасмагорические карлики, таинственные женщины, невиданные птицы – частые персонажи ее работ 1980-90 годов.

«Я очень люблю тайный смысл в искусстве. Искусство – загадка, которая объясняет мудрость жизни, но сама никогда не может быть разгадана».
(О.Булгакова)

Александр Ситников

Ситников АГ фото

Alexander Sitnikov - Academician of the Russian Academy of Arts - is a bright representative of the so-called "artists of the 70s". He defines his artistic style as "naive-ironic" lyricism. He seeks to find the way from emotions to the depths of mind.

Александр Григорьевич Ситников – академик Российской академии художеств – яркий представитель художников-семидесятников. Сам он определяет свой стиль как «наивно-иронический» лиризм. Он ставит перед собой задачу найти путь от чувства к глубинам подсознания. Для его творчества характерны опосредованность историко-культурных реминисценций, дух новизны, априорная художественная концепция.


Его картины фантастичны. Это – звериный мир с терзающими друг друга животными и гибнущими людьми. В них вакханалия зла, потрясение, страдание, неизбежность гибели добра и красоты: «Афродита и хищники», «Бык и хищник», «Пир хищников», «Голубь и зверь», «Натюрморт и хищник», «Плененный бык» и др. В них трагедия хаоса и распада. Он обращается к карнавальной стихии, которая позволяет ему сочетать прекрасное с уродливым, романтическое с гротескным.

Татьяна Назаренко

Татьяна Назаренко
"I think, a person must constantly strive for something beautiful, no matter how trite it may sound"
Tatyana Nazarenko


«На мой взгляд, человек должен постоянно стремиться к чему-то прекрасному, как бы банально это не звучало»
Татьяна Назаренко

Nazarenko's works are characterized by a philosophical sense of time, which is interpreted as a continuous stream. Her painting is distinguished by the breadth of plastics, the variety of artistic means, clear rhythm, decorative color, the conventionality of space, grotesque and the variety of unexpected compositional solutions. The artist is constantly in search of new artistic means, expressiveness and originality of plastics. Many of her works are autobiographical.

Начало творческого пути Татьяны Назаренко приходится на конец шестидесятых – начало семидесятых годов прошлого века. Она дебютировала на выставках в то время, когда «суровый стиль» шестидесятников стал уходить в прошлое. Молодые художники семидесятых широко применяли метафоры, иносказания, притчи, смело прибегали как к пластическому языку классики, так и к художественным приемам и образам самых разных эпох и направлений в искусстве.



Уже ранние работы Татьяны Назаренко «Казнь народовольцев», «Партизаны пришли», «Декабристы», «Пугачев» привлекали внимание своей новой художественной концепцией. Конкретное историческое событие, изображенное с подчеркнутой достоверностью, было обращено в настоящее, раскрывало глубинную связь времен. Творчество Назаренко было направлено против «беспамятства», заставляло вести диалог с прошлым. Сопоставляя прошлое и настоящее, обращаясь к историческим событиям разных эпох, она стремилась раскрыть духовную суть своих героев, выраженную в глубокой патриотичности и высокой гражданственности их мыслей, чувств и поступков.

Иван Лубенников

Иван Лубенников

Ivan Lubennikov - professor of the Moscow State Academic Art Institute named after V.I.Surikov (the Department of Painting and Composition). People's Artist of Russia, full member of the Russian Academy of Arts. The field of his creative activity is extremely wide - from monumental works and installations to scrupulously drawn still-lifes, from the use of urban symbols and signs to picturesque rural landscapes, from sensual "nu" to the biblical themes. We can see traditions of the world classic and the Russian avant-garde from the beginning of the XX century in his paintings.

Иван Леонидович Лубенников - художник-монументалист, профессор кафедры живописи и композиции Московского государственного академического художественного института им. В.И.Сурикова, Народный художник РФ, действительный член Российской академии художеств.

Диапазон творчества этого художника необыкновенно широк: от монументальных произведений и инсталляций до скрупулезно выписанных натюрмортов, от использования урбанистических символов и знаков до живописных сельских пейзажей, от чувственной обнаженной натуры до сюжетов на библейские темы.

В произведениях Лубенникова присутствуют традиции, как мировой классики, так и русского авангарда начала XX века. Его Саломеи, Нарциссы, Сусанны, Флоры и роскошные «ню» лишены даже намёка на салонность. Это скорее воплощение идеи о вечной женственности и совершенной красоте. Он намерено подчеркивает масштабность и избегает детализации, выявляя суть образа в его вневременном значении.

Лубенников часто прибегает к коллажу, любит менять фактуру, использует для нанесения краски не только кисть, но и валик. В его живописи присутствуют гротесковые приемы, более характерные для графики.

Ксения Нечитайло (1942-2019)

Ксения Нечитайло - автопортрет

Ksenia Nechitailo belongs to the bright generation of artists of the 70s, when cultural life was marked by an appeal to the artistic traditions of the beginning of the XX century and to the folk traditional art. The world represented in her canvases is an accented reality, a routine marked by grotesque. Historical and artistic reminiscences and appeal to the primitive means are her way of search for new means of expressiveness.


Ксения Нечитайло принадлежит к яркой плеяде художников, которые вошли в искусство в 70-е годы, ознаменованные в культурной жизни обращением к художественным традициям начала ХХ века и к народному творчеству. Мир, представленный на ее холстах, - это акцентированная действительность, обыденность, отмеченная печатью гротеска. Историко-художественные реминисценции и обращение к примитиву означает для художницы поиск новых средств выразительности.

В каждой ее композиции, портрете и даже пейзаже естественные моменты бытия приобретают символическое звучание. Ее гротескные образы пронизаны авторским переживанием. Нечитайло избегает изображения шаблонной красоты: портреты ее героев сознательно деформированы, порой ироничны и даже пародийны.

Наталья Нестерова

Наталья Нестерова
Natalia Nesterova - Moscow painter, professor, full member of the Russian Academy of Arts.

"I was born in a family of architects. My grandfather Nikolai Ivanovich Nesterov was a painter. I went to wander his paitings/ He painted me, little, pictures, taught me how to play and feel.
I can not imagine my life without my work. It absorbs my imagination, feelings, thoughts. I think about it always, wherever I go, whatever I do ...
Sometimes it seems to me that I have not achieved anything yet. I study and strive for that which runs away and disappears from me. Therefore, my life is like pursuing an elusive thread ... ".

Works by Nesterova are very original, even shocking with some features of surrealism and primitivism. Compositions are often fragmentary - just a part of the vast world, close to the sign system. The picture frame cuts houses, trees, people's figures (only the arm, leg or head can "survive" on the canvas). The world of the picture becomes homogeneous.


Наталья Игоревна Нестерова – московский художник, педагог, профессор, действительный член Российской академии художеств.

«Я родилась в семье архитекторов. Мой дед, Николай Иванович Нестеров, был прекрасный художник. На стенах нашего дома висели его работы, в которые я уходила странствовать. Он рисовал мне, маленькой, картинки, учил меня играть и чувствовать.
Свою жизнь я не представляю без моей работы. Она поглощает мое воображение, чувства, мысли. Я думаю о ней всегда, где бы я ни находилась, что бы ни делала…
Мне все время кажется, что я еще ничего не достигла. Я учусь и стремлюсь к тому, что убегает и скрывается от меня. Поэтому жизнь моя подобна преследованию ускользающей нити…»

Макс Бирштейн

Автопортрет с бородой
"How beautiful is the life on a peaceful land. I'm happy with my wonderful hard work - I'm an artist "- the words wich define the life and artistic credo of Maks Birshtein.

Макс Авадьевич Бирштейн (1914-2000)
«Как прекрасна жизнь на мирной земле. Я счастлив своей чудесной нелегкой работой – я художник» - слова, определяющие жизненное кредо Макса Бирштейна.

Живописные работы московского художника М.А.Бирштейна многокрасочны и декоративны. Основа колорита – тональное богатство при доминирующем значении какого-либо одного цвета. По технике они близки к русскому пониманию импрессионизма.

На его творчество оказали влияние не только непосредственные учителя - И.Э.Грабарь, Г.М.Шегаль, Д.К.Мочальский, Р.Р.Фальк - но и Павел Дейнека, и французские импрессионисты, у которых он почерпнул смелый мазок и непосредственное восприятие мира.

Лев Кербель

Лев Кербель

Lev Efimovich Kerbel (1917 - 2003) - People's Artist of the USSR, Hero of Socialist Labor.
Kerbel - the peer of the revolution - as if by the will of fate became the spokesman of the era. His sculptural works are distinguished by monumentality, static and scrupulous documentary.
His interest and clear abilities for artistic creation were discovered in his early childhood, and he felt the first serious recognition of his artistic talent in 1933, when the bas-relief depicting Lenin was highly appreciated at the regional stage olympiad amateur art.
In 1937 he enrolled in the Moscow Institute of Painting, Sculpture, Architecture and Art Studies (future MGI named after Surikov) at the Faculty of Sculpture.
Kerbel is the author of many monuments established both in Russia and abroad. The most textbook, known to all his work is a monument to Karl Marx in Moscow.
He worked in many genres of sculpture, performed portraits and monuments, monumental complexes and easel compositions. He created more than 50 monuments and memorials, a huge number of sculptural portraits of outstanding politicians and heroes of the Soviet Union.

Лев Ефимович Кербель (1917–2003) - Народный художник СССР, Герой социалистического труда




Л.Е.Кербель - ровесник революции - словно по воле судьбы стал выразителем эпохи. Его скульптурные работы отличает монументальность, статичность и скрупулезная документальность.
Интерес и явные способности к художественному творчеству открылись у него ещё в раннем детстве, а первое серьёзное признание своего художественного таланта он ощутил в 9-м классе (1933 год), когда барельеф с изображением В.И.Ленина его работы был высоко оценён на областном этапе олимпиады художественной самодеятельности.

В 1937 году он поступил в Московский институт живописи, скульптуры, архитектуры и искусствоведения (будущий МГХИ имени В.И.Сурикова) на факультет скульптуры.
Кербель – автор многих памятников, установленных как в России, так и за рубежом. Самая хрестоматийная, известная всем его работа – памятник Карлу Марксу в г. Москве.

Аделаида Пологова

Аделаида Пологова с сыном

Аделаида Германовна Пологова (1923-2008)


Pologova is a sculptor of God's mercy. Everything what she touches - clay, wood, stone, metal, glass - acquires the beauty of form, becoming a plastic value and a carrier of spiritual meaning. Once she was asked the question: "If God came to you, what would you ask of him?" And she replied: "I would just thank him."

Bright and original creativity of Pologova enriched modern sculpture with new themes, artistic techniques and images. The classical understanding of form is combined in her works with primitivism and the traditions of Russian folk sculpture, in particular, the folk art of woodcarving.

«Пологова – скульптор божьей милостью. Всё, к чему она прикасается, - глина, дерево, камень, металл, стекло – обретает красоту формы, становясь пластической ценностью и носителем духовного смысла.
Однажды ей задали вопрос: «Если бы к Вам пришел Бог, о чем бы вы его попросили?» И она ответила: «Я бы его только поблагодарила».
(Яков Назаров)

Яркое и самобытное творчество Пологовой обогатило современную скульптуру новыми темами, художественными приемами и образами. Классическое понимание формы сочетается в ее работах с примитивизмом и традициями русской народной скульптуры, в частности, народного художественного промысла резьбы по дереву.

Петр Оссовский

Петр Оссовский

Peter Pavlovich Ossovsky (1925-2015) - Academician of the Russian Academy of Arts, the recognized classic of Russian art of the twentieth century, Moscow painter and graphic artist. His works are associated with so-called "severe style" in Russion painting.

From the very beginning of his creative career, the artist found his special themes in art and an individual pictorial language, consonant with the epoch. The search for the reflection of reality in a new plastic form led him to affirm the principle of monumentality and generalization of the image. The author's credo is "the land and the people living on it".

His paintings, picturesque cycles, graphic series reveal "a historical approach in the spirit of indissoluble unity of times". The artist devoted his creativity to creating a large-scale epic narrative, dedicated to the significant dates of Russia, its heroic and tragic pages of the Russion history.

Пётр Павлович Оссовский (1925-2015) - академик Российской академии художеств, признанный классик отечественного искусства ХХ века, московский живописец и график, творчество которого связано с возникновением «сурового стиля» в живописи.

С самого начала своего творческого пути художник нашел свои темы в искусстве и индивидуальный изобразительный язык, созвучный эпохе. Поиски отражения реальности в новой пластической форме привели его к утверждению принципа монументальности и обобщенности образа. Содержательное кредо художника, по его собственным словам, - это «земля и народ, на ней живущий».

Его картины, живописные циклы, графические серии раскрывают «исторический подход в духе неразрывного единства времен». Художник посвятил свое творчество созданию масштабного эпического повествования, посвященного знаменательным датам России, её героическим и трагическим страницам.

Михаил Иванов

Автопортрет М.Иванов

"The views we look for are around us, in every place we know and love from childhood. I go outside and paint ... Since 1957 I paint Moscow landscapes in all seasons ..." - Mikhail Ivanov.
Works by Mikhail Ivanov are dedicated to old Moscow: the Kremlin, the Boulevard Ring, Trubnaya, Sretenka, Zamoskvorechye.
His landscapes are chambered, painted with personal perception. His proximity to Impressionism is visible in miniature etchings with a light color, which were created directly in the open air. According to his own words, he goes by painterly revealing of the figurative meaning of nature - "living in painting".

Михаил Всеволодович Иванов (1927-2000)

«В искусстве ценна каждая личность, если она верна себе. Сезанн, Суриков, Моранди, Кузнецов, Утрилло, Боннар равны в своем растворении в натуре…
Искомые картины находятся рядом с нами, в том, что мы знаем с детства и любим. Это для меня программно: я выхожу из дома и пишу... С 1957 года я пишу Москву во все времена года на улице» - Михаил Иванов.

Творчество М.В.Иванова связано с видами старой Москвы, с ее историей: Кремль, Бульварное кольцо, Трубная, Сретенка, Замоскворечье. Его юность и молодость (родной отец художника Исаак Бабель был репрессирован как враг народа, опорой для него стал отчим – писатель Всеволод Вячеславович Иванов) пришлись на 40-е годы прошлого века, когда под прессом сталинской идеологии проводилась широкая компания борьбы с формализмом и космополитизмом. В последующий за тем период хрущевской оттепели, которая принесла некоторую свободу, Иванов активно участвовал в художественных выставках, в частности, и в известной «скандальной» выставке «30 лет МОСХа» в Манеже. Это был период противостояния молодых художников официозу псевдореалистических картин и реабилитации творчества мастеров 20-х годов.

Илья Комов

Илья Комов на выставке

Александр Якимович о творчестве Ильи Комова
Заметки о смыслах.

Ilya Komov paints in different parts of the world. He lives in Moscow and Central Russia, but his painting reflect Montenegro, Paris, the Pyrenean Roussillon, the wonders of the Mediterranean - Catalonia. There he visited and from there brought wonderful picturesque responses to these beautiful places. In his paintings, there is a flaming India, with hot faces of the southern race, with the colors of one of the first days of Creation.

Komov is a Moscow artist not in the first generation, he has Moscow genes, he is connected with all his molecules to the Moscow air. Sparkling and mesmerizing coloratisation, exquisitely simple-minded deformations, bizarre combinations of tightness and scope in its landscapes and portraits - obvious symptoms of Moscow batch. It is easy to see in his painting memories of the Moscow icon. This icon at some point felt itself and seemed to understand that it was no longer Byzantium, and no longer Kiev, nor Novgorod, but it was Moscow and no other. Sophisticated and simple-minded. 


Илья Комов пишет настоящую живопись, живопись прямого действия, он не маскируется умными сюжетами или аллегориями, или игрой в жанры или другими хитростями нашего времени, когда уже и постмодернизм представляется недостаточно хитроумным. У Комова дом и дерево – это дом и дерево, цветок есть цветок, лицо есть лицо. Ни выверта, ни ужимки. Цитаты отсутствуют, глубокомысленных аллюзий мы там не найдем. Ну совсем простой художник… Вот и первая ошибка. Искусство открытое, как на ладони. Нам кажется, что всё понятно. На самом деле и прямое высказывание тоже имеет свои скрытые уровни.

Несомненно то, что искусство Ильи Комова в самом деле прямое и открытое, ясноглазое и солнечное, очень русское и отчетливо московское, притом с явственным французским акцентом. Были времена, когда этот акцент вошел в культуру России. Тут мы все дружно вспомнили классическую литературу. Пушкин любил позволять себе своего рода «московские галлицизмы». Лев Толстой выписывал свои фразы с тяжеловатой грацией. Далеко от Дидро, от Бальзака близко. В истории живописи французский акцент возникал неоднократно, еще с восемнадцатого века. С чего это мы так сразу стали вспоминать о русских началах и французском акценте?

Иван Сорокин

Автопортерет. Иван Сорокин

Sorokin Ivan Vasilievich (1922-2004) – Moscow artist, full member of the Russian Academy of arts.
"Everything necessary, interesting is about us, among us, it only needs to be seen... I can not go far from home, all the time to see different motives and a lot of states in them» - (I. Sorokin)

The main theme of his work-landscapes of Central Russia, monuments of Russian architecture, ancient cities such as Pskov, Novgorod, Rostov, Vladimir, Suzdal, Vologda and others. In his paintings comes to life the daily life of the Russian province: folk festivals, celebrations, noisy bazaars and fairs.
In the works of the landscape genre, the artist with a special lyricism conveys the beauty of Central Russian nature (for example, the landscapes of the village usolia, where he lived and worked for more than 20 years).
He created a series of paintings and graphic works related to Pushkin places. These are landscapes of Boldin, Mikhailovsky, St. Petersburg and its environs. The artist's works are distinguished by exquisite color, culture of color, quivering letters.

Сорокин Иван Васильевич (1922-2004) – московский живописец, действительный член Российской академии художеств.
«Все необходимое, интересное находится около нас, среди нас, его только нужно увидеть… Могу, не отходя далеко от дома, все время видеть разные мотивы и в них множество состояний»
(И.Сорокин)


Главная тема его творчества – пейзажи средней полосы России, памятники русского зодчества, древнерусские города такие, как Псков, Новгород, Ростов, Владимир, Суздаль, Вологда и другие. В его полотнах оживает повседневная жизнь русской провинции: народные праздники, гуляния, шумные базары и ярмарки.
В работах пейзажного жанра художник с особым лиризмом передает красоту среднерусской природы (например, пейзажи села Усолья, где он жил и работал более 20 лет).

Михаил Лищинер

М.И. Лищинер

Lyschyner Mikhail Ivanovich (1912-1992)
The prevalent themes in his work are human labor, Jewish folklore and biblical images. In his manner of painting the artist leans towards primitivism and broad-stroke, almost child-like forms.

Лищинер Михаил Иванович (1912-1992) – львовский художник, живописец, член Союза художников СССР. Работал в области станковой и монументальной живописи, мастер тематических композиций, портрета.

«В искусстве важно быть раскованным. Слышать голос внутри себя и не изменять себе. Многое уметь, но не превращаться в ремесленника» (Михаил Лищинер)



Он принадлежал к поколению 1960-90-х годов, когда многим художникам приходилось лавировать между разрешенным направлением социалистического реализма и поисками новых средств выразительности, выходящими за рамки официального стиля.

Ярослав Титов

Ярослав Титов во время войны

Yaroslav Titov (1906-2000) – Moscow painter, People's artist of Russia, member of the Association of artists of the revolution (AHR), artist of a wide creative range.
His works are based on live and direct observation, landscapes are distinguished by subtle lyricism, portraits permeated by the depth of psychological characteristics, genre paintings are characterized by penetration and poetry, and historical paintings – by deep knowledge and reliability.
The graphic sheets of the artist are marked by thoughtful details, the images he created are convincing.



Ярослав Викторович Титов (1906-2000) – московский живописец, график, Народный художник России, член Ассоциации художников революции (АХР).
(Прим. ред.: Ассоциация была основана в 1922 году и распущена в 1932 году. В 1928 году Ассоциация художников революционной России - АХРР - была преобразована в Ассоциацию художников революции - АХР. В 1920-е годы эта организация представляла собой наиболее крупное объединение советских художников, графиков и скульпторов).

Ярослав Титов – художник широкого творческого диапазона.
Его рисунки основаны на живом и непосредственном наблюдении, пейзажи отличает тонкий лиризм, портреты пронизаны глубиной психологической характеристики, жанровым картинам свойственны проникновенность и поэтичность, а историческим – глубокое знание и достоверность.
Графические листы художника отмечены продуманностью деталей, а созданные им образы убедительны.

Таир Салахов

Таир Салахов - Тебе человечество

People's artist of the USSR, hero of Socialist Labor.
Tair Salakhov was born on November 29, 1928 in Baku. In 1950 he graduated From the Azerbaijan art school named after A. Azimzade, in 1957 - mgahi named after V. I. Surikov (workshop PD Pokarzhevsky), specialty painter.
Salakhov's first works, created during his studies at the school and at the Institute - "Waves", "Overpass" (1955), thesis "watch" (1957) - attracted the attention of viewers and experts. Soon after, he became one of the most prominent Soviet artists of the "thaw" period and one of the founders and leaders of the "severe style" in painting.

Salakhov's paintings are characterized by a monumental and severe style. His work (especially the early period of creativity – the 60s) is distinguished by a single generalized decorative artistic language, rigid graphics, composite dynamics, color intensity and capacious imagery. Later - 70-80 years - in the works of Salahov popping features internal poetizatsii image, there is a transition to the paintings-the hesitation, the change of the plastic language: color is becoming more complicated, more varied, less clearly readable contour.

Salakhov, the cult figure of the "severe style", managed to move on to the elegant chamber subjects, confirming here its own, recognizable style. The master of interesting items, objects, and events in unexpected ways to reveal their specific, previously neglected, now rediscovered meanings. The artist's pictorial language is a combination of monumental flatness of the image and powerful sculptural plasticity United by strong local color. Whether it is multi-figure compositions, portraits, still lifes or landscapes - the visual manner of the master subordinates any motive


Таир Теймур оглы Салахов - живописец, театральный художник, педагог, профессор, вице-президент Российской академии художеств, Народный художник СССР, Герой Социалистического Труда.

Таир Салахов родился 29 ноября 1928 года в Баку. В 1950 году окончил Азербайджанское художественное училище имени А.Азимзаде, в 1957 - МГАХИ имени В.И.Сурикова (мастерская П.Д.Покаржевского) по специальности художник-живописец. Уже первые работы Салахова, созданные во время учёбы в училище и в институте - «Волны», «Эстакада» (1955), дипломная работа «С вахты» (1957) - привлекли внимание зрителей и специалистов. Вскоре он стал одним из наиболее выдающихся советских художников периода «оттепели» и одним из основоположников и лидеров «сурового стиля» в живописи.

Живописным полотнам Салахова присущ монументально-суровый стиль. Его работы (особенно раннего периода творчества – 60-е годы) отличает единый обобщенно-декоративный художественный язык, жёсткая графичность, композиционная динамика, цветовая напряжённость и емкая образность. Позднее,в 70-80 годы - в произведениях Салахова появляются черты внутренней поэтизации образа, происходит переход к картинам-раздумьям, происходит изменение пластического языка: цвет становится сложнее, разнообразнее, не столь четко читается контур.

Сергей и Алексей Ткачевы

Сергей и Алексей Ткачевы

Sergey Tkachev, Alexey Tkachev-Moscow painters, classics of Russian and Soviet art, People`s artists of the USSR, full members of the Academy of Arts of the USSR.
Brothers Tkachev entered the art in the late 50-ies of XX century paintings "Mother" (1955), Laundries (1955), "Windy day" (1957). Their creative community turned out to be very successful and fruitful.
Alexey Petrovich and Sergey Tkachev reflected in his work life itself: the people with whom they were personally acquainted, the subjects that were born before their eyes. The unassuming nature of the plot, the freshness of the impressionistic palette, joyful attitude, easily guessed associative connection of the "thaw" period in Soviet art made these artists a phenomenon of their time.


Сергей Петрович Ткачёв, Алексей Петрович Ткачёв – московские художники-живописцы, классики русского советского искусства, Народные художники СССР, действительные члены Академии Художеств СССР. Братья Ткачёвы вошли в искусство в конце 50-х годов ХХ века картинами «Мать» (1955), Прачки (1955), «Ветреный день» (1957). Их творческое содружество оказалось очень успешным и плодотворным.

Татьяна Пашагина

Татьяна Пашагина

Я рисую
 прекрасный город.
               Водоёмы,
                    церкви,
                          мечети...  Т.Пашагина

Tatiana Pashagina was born on September 26, 1965 and lives in Kazan. By education she is an architect and teacher - 1989 graduated from the Kazan Institute of civil engineering. On one bowl scales, for it - the accuracy, rigor, rationalism, on the other - emotional brightness and imagery, sensitivity to the subtle nuances of the human psyche, which she is able to convey through this combination in her works.

Татьяна Пашагина родилась 26 сентября 1965 года в Казани. По образованию она архитектор и педагог - 1989 году окончила Казанский инженерно-строительный институт.

На одной чаше весов для неё - точность, строгость, рационализм, на другой - эмоциональная яркость и образность, чуткость к тончайшим нюансам человеческой психики, которые она благодаря этому сочетанию способна передавать в своих работах.


Как архитектор, она много работала в области реставрации архитектурных памятников. Как график участвовала в выставках, начиная с 1993 года, оформляла книги. С 2000 года является членом Союза художников Республики Татарстан, с 2002 года - профессионального союза художников в Москве.
Т.Пашагина - автор книг: "Абсолютный возлюбленный" (Казань, РИЦ "Школа", 2000), "Дела молодой Луны" (Казань, ТаРИХ, 2001). Член союза российских писателей с 2000 года.

Роман Сельский

Подсолнечник за хатой

Selsky Roman Yulianovich (1903-1990) - Lviv painter, people's artist of Ukraine, Professor, teacher of the Lviv Institute of arts and crafts, author of numerous landscapes, still lifes, thematic paintings, portraits, interiors, decorative compositions, applications, prints, ceramics. In his works, Selsky continued the tradition of art criticism is often called Rural adept of the Parisian avant-garde, which created its own art school.

His works are distinguished by a special relief of forms, texture and exquisite color. Color became a special, independent engine in his works

Сельский Роман Юлианович (1903-1990) – львовский живописец, Народный художник Украины, профессор, преподаватель Львовского института декоративно-прикладного искусства, автор многочисленных пейзажей, натюрмортов, тематических картин, портретов, интерьеров, декоративных композиций, аппликаций, гравюр, керамики.

В своих работах Сельский продолжал традиции классической украинской живописи и вместе с тем искал новые "европейские" пути ее развития. В картинах художника гармонично сочетался западный авангард и советский реализм. Советская художественная критика часто называла Сельского адептом парижского авангарда, который создал собственную художественную школу.

Его произведения отличает особая рельефность форм, фактурность и изысканный колорит. Цвет стал особым, самостоятельным двигателем в его работах.

Дмитрий Тугаринов

В мастерской Тугаринова

Dmitry Nikitovich Tugarinov occupies a special place in the Russian sculptural school. His work is distinguished by a very modern spectrum of images, although traditional features are also discernible in them.

The fact is that he and his work exist in a certain mythological space, reflecting a special world full of extravagance, meaningful images and eternal irony. Obviously, therefore, a number of his sculptures leave a notable mark in modern life.

For his creative practice Tugarinov created more than six hundred easel and monumental works.

Тугаринов Дмитрий Никитович – московский скульптор, действительный член Российской академии художеств, Народный художник Российской Федерации. «Я фигуралист… но это не такое уж простое и однозначное понятие».

Скульптор обладает мифологизированным складом мышления, любит игру неожиданных созвучий.

Его работы отличает остросовременный спектр образов, яркий темперамент, энергия, особый ракурс зрения. В них раскрываются идеи противоборства и гармонии таких вечных противоположностей, как плоть и дух, животное и человеческое, мужское и женское. Они словно воссоздают основу реальной сложности жизни. Для многих его произведений характерен гротеск и юмор.

Ливий Щипачев

Сын

Щипачёв Ливий Степанович (1926-2001) – московский живописец, автор многочисленных портретов, сюжетных композиций, пейзажей.

«Тяжел творческий путь художника. Но прекрасен тот чудесный огонек, к которому он стремится и который называется творчеством».

Живописные работы Л.С.Щипачева всегда глубоко лиричны. При внешней простоте и непосредственности они содержат глубокий психологический и философский подтекст. Традиционность живописного мазка, тщательность и фигуративность изображения не исчерпывают содержания его картин, в которых он стремится к образному, а порой и планетарному звучанию.

На протяжении многих лет Ливий Щипачёв обращался к образу Михаила Лермонтова. Композиции «Лермонтов на Кавказе», «Тамань», портреты поэта находятся в настоящее время в художественных музеях Пятигорска.

Владимир Патык

Владимир Патык

Vladimir Patyk (1926-2016) - painter, graphic artist, People's artist of Ukraine, a prominent representative of the Galician school of painting, landscape painter, still life master. The main form-making role in the artistic manner of Patyk is played by pure color, which increases the emotional activity of the picture and emphasizes the decorative decision of the compositions. The artist often resorts to contrasts of red and green, orange-yellow and blue-purple, red and white. Uses a variety of techniques: from graphics and oil painting to mosaics and frescoes.



Владимир Иосифович Патык (1926-2016) - живописец, график, Народный художник Украины, яркий представитель галицкой школы живописи, пейзажист, мастер натюрморта.
«Природа наделила меня работоспособностью, памятью воспроизводить увиденное много лет назад, имею иммунитет к злу, умение отличить правду от лжи, не приемлю фальши. Мой идеал - это красота как природы, так и женская…» Владимир Патык.

Главную формотворческую роль в художественной манере Патыка играет чистый цвет, который повышает эмоциональную активность картины и подчеркивает декоративное решение композиций.

Художник часто прибегает к контрастам красного и зеленого, оранжево-желтого и сине-фиолетового, красного и белого. Использует различные техники: от графики и масляной живописи до мозаики и фрески.

Владимир Цигаль

Цигаль Владимир
Vladimir Tsigal is an outstanding sculptor, teacher, Creator of monumental and easel works, author of numerous monuments in Moscow, other cities of Russia and abroad, academician of the Russian Academy of arts, people's artist of the USSR. Tsigal is the author of more than 60 monuments, many portraits and easel compositions. Such monuments of his work are widely known as General D. M. Karbyshev in the concentration camp near Mauthausen (Austria), Richard Sorge (Baku, Moscow), Fyodor Poletaev (Ryazan), monuments to Soviet soldiers in co-authorship with L. E. Karbel in Berlin, Zeelov, etc. The significant monumental works of the sculptor include a memorial ensemble dedicated to the heroes of the great Patriotic war, in Novorossiysk, made by him together with the creative team of architects. For his monumental work is the expression and dynamics of the sculptural form, the scale of the images.

Владимир Ефимович Цигаль - выдающийся скульптор, педагог, создатель монументальных и станковых произведений, автор многочисленных памятников в Москве, других городах России и за рубежом, академик Российской академии художеств, Народный художник СССР.

Цигаль – автор более 60 памятников, множества портретов и станковых композиций. Широко известны такие памятники его работы, как генералу Д.М.Карбышеву в концентрационном лагере близ Маутхаузена (Австрия), Рихарду Зорге (Баку, Москва), Федору Полетаеву (г. Рязань), памятники советским воинам в соавторстве с Л.Е.Кербелем в Берлине, Зеелове и др.

Степан Дудник

Стеран Дудник

Dudnik was born in Yevpatoria in 1914, at an early age he lost both his father and mother, together with his sister, to his aunt, who lived in Feodosia, who also soon died. The children were left alone and survived with the help of neighbors.
During the civil war, six-year-old Stepan was so independent that he contracted to draw money for Wrangel's Army, which was located in the Crimea, and then printed it. For some time he was brought up in an orphanage, from which he escaped. And again he wandered until in 1930 he was convicted and sent to correctional work for the construction of the Belomorsky canal. According to him, it was the most difficult period in his life lived in tents, had to carry the rocks to the wheelbarrow, dragging the logs to lay the track in the rocks...

Hard work, exhausting, and his only escape was drawing, which the teenager has devoted every spare moment (and he has become an expert on tattoos).
His fate predetermined the case. The gathering of drummers - "kaalamaam" he met with the commander of the camp by S. Verinym, who learned that he draws well, he said – "and You shall learn." At this time, the construction site was visited by the writer M. Gorky and the famous photographer A. Rodchenko. Gorky noticed the young man, and the pictures were posted in the Central press.

Firin also contributed to the Dudnik issued a certificate that he "has the right to live on the whole territory of the USSR", took him to Moscow and took him to Gorky. In 1934, the coveted admission to the Moscow art Institute. V. I. Surikov. Bitter, who helped the young man to find himself in life, appointed him a scholarship, which he received from the Secretary of the writer. It was not easy to study without special training, but the determination and will did their job - in 1943 he graduated with honors from the Institute, and then graduate school. His thesis "25 October 1917" was recognized as brilliant." Stepan Dudnik studied with such famous artists as I. Grabar, A. Deineka, D. N. Kardovsky, N. M.Chernyshev, A. A. Osmerkin, N. P.Krymov, K. N. Istomin.


Дудник Степан Ильич (Иудович) (1914-1996) – живописец, Народный художник РСФСР, профессор академической живописи.

К наиболее известным его произведениям можно отнести:
«Залп «Авроры» (1949),
«Портрет Иоселиани» (1950),
«Портрет ковровщицы Мурадовой» (1956),
«Портрет сталевара Кошелева» (1965),
«Арест Временного Правительства» (1966),
«Комсомольцы 20-х годов» (1967),
«Яблони» (1975),
триптих: «Аврора», «Смольный», «Штурм Зимнего» (1977),
«Гибель «Варяга» (1979).

В послевоенные годы в составе творческих бригад с В.Ефановым, Ю.Кугачем и В.Цыплаковым им были написаны картины «Передовые люди Москвы в Кремле», «Вручение ордена Ленина Москве в честь 800-летия», «Заседание Президиума Академии наук СССР».

София Вейверите

София Вейверите - автопортрет

Sofia Veiveryte (1926-2009) - Soviet Lithuanian painter, Professor of painting, People's artist of the Lithuania. Author of frescoes, monumental paintings with amazing pasty painting, thematic compositions dedicated to sports, folk festivals, industrial motifs, associative portraits of celebrities, historical figures, contemporaries and "pearl" still-lifes.

София Мотиевна Вейверите (1926-2009) - советский литовский художник, профессор живописи, Народный художник Литовской ССР. Автор фресок, монументальных полотен с удивительной пастозной живописью, тематических композиций, посвящённых спорту, народным празднествам, инду­стриальным мотивам, ассоциативных портретов знаменитостей, исторических личностей, современников и «перламутровых» натюрмортов.


Вейверите внесла значительный вклад в формировании в Литве школы фресковой живописи. Преподавательская работа (с 1968 года она вела курс фресок и мозаики в Государственном художественном институте в Вильнюсе) явилась закономерным этапом внутреннего развития художницы, автора крупных станковых полотен, всегда привлекающих эпической масштабностью сюжета, монументальностью и лаконизмом живописных приемов.

Николай Андронов

Андронов - автопортрет

Nikolai Andronov (1929-1998) – Moscow painter, graphic artist, monumentalist, professor, member of the Russian Academy of Arts, People's artist of Russia.
Andronov perceived the surrounding reality through the prism of ethics, feeling a special moral responsibility for everything what happens in the world.
He became famous with his picture "Raftsmen", which appeared in the center of the scandal in the Moscow Central Exhibition Hall in 1962, and then became one of the art manifestos of "severe style". The official theme of "everyday work" Andronov interpreted as the self-assertion of a person. His works are dominated by tragic notes. His thoughts about the fate of Russia, about the meaning of life are not just sad, they are hopeless.



Николай Иванович Андронов (1929-1998) – московский художник, живописец, график, монументалист, педагог, действительный член Российской академии художеств, Народный художник России.

«Каждый мазок - это подвиг»  - Николай Андронов.

Окружающую действительность Андронов воспринимал через призму этики, чувствуя особую моральную ответственность за все происходящее в мире. Художник утверждал, что каждый мазок несет в себе нравственную нагрузку.

Известность принесла ему картина «Плотогоны» (1961), оказавшаяся, наряду с другими работами, в центре скандала на выставке к 30-летию МОСХа в «Манеже», и ставшая затем одним из изо-манифестов «сурового стиля».
Официальная тема «трудовых будней» в картине Андронова трактуется как самоутверждение человека в противостоянии. Картину объявили примером «злостного формализма». Андронова исключают из Союза художников, он уезжает в Вологодскую область.

Татьяна Яблонская

Автопортрет в украинском костюме

Tatiana Yablonskaya (1917-2005) – famous soviet painter, People's artist of the USSR, Hero of labor of Ukraine, winner of numerous state awards. She is the author of large-scale and life-affirming paintings in the mainstream of socialist realism, portraits, landscapes and still-lifes with decorative folk Ukrainian motifs.

Yablonskaya is known as a bright representative of the realistic direction in painting, and at the same time her works are characterized by the use of synthesis of different cultural traditions, the search for symbolic and figurative expressiveness of color and light.



Татьяна Ниловна Яблонская (1917-2005) – живописец, график, Народный художник СССР, Герой труда Украины, обладатель многочисленных государственных наград и высоких званий. Автор масштабных и жизнеутверждающих полотен в русле соцреализма, портретов, пейзажей и натюрмортов с декоративностью народных украинских мотивов.

Яблонская известна как яркий представитель реалистического направления в живописи, и в то же время в ее творчестве свойственно применение синтеза различных культурных традиций, поиск символико-образной выразительности цвета и света.

Павел Никонов

Павел Никонов в мастерской

Pavel Nikonov is one of the founders of the "severe style", a trend in Soviet realistic painting of the late 50s-early 60s, which is characterized by a special generality, monumentality, conciseness in the depiction of the heroics of everyday work of contemporaries.

Nikonov's paintings did not fit into the usual understanding of Soviet academic art, reflecting the new processes in the visual arts of the early 60s.He works in different genres such as thematic painting, portrait, landscape, still life. The harsh perception of reality is combined in his work with the lyrical, individual and psychological nature of the narrative. His multi-figure compositions are pictures of real life in their emotional and generalized interpretation.

Павел Федорович Никонов - московский живописец, график, действительный член Российской академии художеств, Народный художник России.

Павел Никонов считается одним из основоположников «сурового стиля», направления в советской реалистической живописи конца 50-х – начала 60-х годов, для которого характерна особая обобщенность, монументальность, лаконичность в изображении героики трудовых будней современников.



Свободные от каких-либо догм и установок, живописные работы Никонова не укладывались в привычное понимание советского академического искусства, отражая новые процессы в изобразительном искусстве начала 60-х. Художник работает в разных жанрах таких, как тематическая картина, портрет, пейзаж, натюрморт. Суровое восприятие действительности сочетается в его творчестве с лирическим, индивидуально-психологическим характером повествования. Его сюжетные многофигурные композиции – это реальные картины жизни в их эмоционально-обобщенном прочтение.

Маргарита Воскресенская

Маргарита Воскресенкая-Москва
Margarita Voskresenskaya (1931-2012) - the famous Russian sculptor of the second half of the twentieth century, who worked in wood. She also worked in stone and bronze, but the main material is wood. The appeal to wood in her sculptural practice is an appeal to the sources of folk art, to the traditions of Russian wooden sculpture.

Her wooden sculptures are distinguished by special flexibility. The majority of her works are devoted to women. These are nude figures, portraits and small watercolor painted genre works.

Воскресенская Маргарита Михайловна (1931–2012) – московский скульптор, входящий в плеяду знаменитых отечественных скульпторов второй половины ХХ века, работавших в дереве. С начала 1960-х годов дерево начинает приобретать статус одного из основных материалов скульптуры.

«Воскресенская никогда не стремилась полностью подчинить дерево себе. Текстура и своеобразие дерева подсказывали художнику замысел и композицию скульптуры. Она подчеркивает существо дерева, вписывая работы в естественный объем ствола, сохраняя его легкость или, напротив, его массивность и тяжесть, заставляя их работать на характер образа».



Увлечение деревом захватило тогда многих молодых скульпторов (Аделаида Пологова, Татьяна Соколова, Павел Шимес и др.). Для Маргариты Воскресенской и ее мужа скульптора Михаила Смирнова возрождение дерева как полноценного современного скульптурного материала стало настоящим призванием.


В 1946 году - в пятнадцатилетнем возрасте - Воскресенская поступила в Московское высшее художественно-промышленное училище, которое окончила в 1954 году (педагоги: Г.А.Шульц, Г.И. Мотовилов).

В 1954-57 годах прошла обучение в аспирантуре. В эти годы, середина 50-х, Воскресенская работала в бригаде молодых скульпторов под руководством С.Т.Коненкова, который оказал заметное влияние на формирование ее творческого кредо.

Михаил Греку

МИхаил Греку. Фото

Michael Grecu (1916-1998) — honored artist of Moldova, the founder of the Moldavian plastic modernism.
In 1972 Mikhail Grek was awarded the title of honored artist of the Moldavian SSR, and in 1992 he became an honorary member of the Academy of Sciences of Moldova.

Paintings by Michael Grecu are in prestigious galleries and museums in many countries. His works have been exhibited in China, Bulgaria, Czech Republic, Japan, Canada, Croatia, Romania, Estonia, Azerbaijan, Latvia and Lithuania.

Михаил Григорьевич Греку (1916-1998) – советский молдавский художник, живописец, Народный художник Молдавской ССР, почетный член Академии наук Молдовы, основатель молдавского пластического модернизма.

 

Творчество Михаила Греку разнообразно как в тематическом, так и в стилистическом отношениях. Наиболее часто художник обращается к теме крестьянской жизни, тяжелого физического труда. Вместе с тем светлый колорит и энергичность композиции утверждают красоту национального традиционного быта. В картине «Проводы» колористическим диссонансом к сюжету выглядит смелое цветовое решении холста, написанного теплыми, яркими, радостными красками.

Опираясь на традиции народной молдавской культуры, Греку уделял особое внимание поискам национального характера художественного образа. Художник часто прибегал к использованию приемов примитивизма и условности живописной манеры («Гостеприимство», «Осенний день», «Полевой ужин», «Старая мельница» и др.)
культура СССР back to the USSR

советская культурная жизнь

Искусство и наука искусство и наука

статьи, лекции офф-лайн, беседы об искусстве

Художественный перевод научный и художественный перевод

искусствоведение, культурология, литература

традиционное народное искусство традиционное народное искусство

народное творчество, художественные промыслы

Народная игрушка народная игрушка
Кто сегодня делает народную игрушку? Для кого она создается? Кто играет в нее?
NEWS-НОВОСТИ

03.08.19 Игра в Бэйли

Дети не совершают преступлений – они играют. И не их вина, что игры порой заходят слишком далеко, превращаясь в самые страшные и изощренные по жестокости преступления. А что же взрослые? Молчат, отворачиваются, не замечают того, что не в силах ...
Подробнее

03.08.19 Традиции фитотерапии в Северной Америке

Первые переселенцы из Европы привезли в Северную Америку хорошо известные нам анютины глазки и подорожник. Индейцы назвали последний«след белого человека». 
Подробнее

05.06.19 Египетские папирусы о травах и лечении болезней

Сообщения о целебной силе обычных растений дают нам папирусы, которые относятся к 1700 году до нашей эры (н.э.). Травы играли большую роль в египетской медицине. А
Подробнее
Искусство
Искусство

Искусство (от церк.-слав. искусство (лат. experimentum — опыт, проба); ст.‑слав. искоусъ — опыт, испытание) — образное осмысление действительности; процесс или итог выражения внутреннего или внешнего (по отношению к творцу) мира в художественном образе; творчество, направленное таким образом, что оно отражает интересующее не только самого автора, но и других людей.

Веб-портал

Веб-портал — сайт в компьютерной сети, который предоставляет пользователю различные интерактивные интернет-сервисы, которые работают в рамках этого сайта. Веб-портал может состоять из нескольких сайтов.

Театр Комеди франсез
театр коммеди франсез